Johann: Folk Music
Доброго дня всем любителям этнической музыки. Сегодня речь пойдет о восточной музыке. И не просто восточной, а о суфийской музыке.
Суфизм — тайное мистическое учение в исламе. Это удивительное явление. Возник он в VII веке. Сам смысл обязан своему происхождению слову sufi которое имеет троякое значение: «шерсти» или шерстяной одежды, которую носили ранние суфии, может иметь связь со словом «чистота» и еще одной морфемой - с греческим sophia (мудрость).
Троякость значения в дальнейшем легла на обширные метафорические трактовки положенные на стихи и песни. Тем не менее, «суфизм» более чаще оно понимает под собой значения «человека религиозного образования, кто стремится быть ближе к Всевышнему», мудреца который знает смысл вещей и предназначения себя в этом мире.
Исторически суфизм как учение в исламе имел противоречивое влияние и имел крайние формы оценки — от восхищения до полного неприятия. Государством, официальной гос. религией и её номинациями (суннитами и шиитами) суфизм более отторгался чем принимался и, напротив, народными массами, не слишком вдающимися в суть культовых разногласий, суфии и суфизм всегда расценивались как альтернатива власти и гос. религии.
В традиции суфизма огромную роль имело значение учителя, духовного наставника т.к. суфизм это более устная форма передачи знаний, восходящая к самым древним формам дидактики. Это роднит её с индусскими или греческими философами, древними каббалистами или средневековыми мистиками.
Знания суфия сакральны, персональны, им нельзя обучить в традиционном смысле слова. Скорее, это наука «умения чувствовать мир вокруг» руководствуясь заповедями Всевышнего. Это первое. Второе - соответствующий образ жизни способствующий погружению в тайные миры. Молитвы в суфизме также необычны, они напоминают и мантры буддистов и соцерцательные медитации католических монахов и византийских исихастов. Иногда они сопровождаются ритмическими действиями.
Хорошо известна ( так как это стало подобием брэнда в Турции так же как Шао Линь в Китае на который приезжают чтобы посмотреть) практика погружения с помощью танца. В Турции это так называемые «танцующие дервиши» - пожалуй единственные из исламских монашеских орденов исповедующих суфизм именно благодаря «брэндовости» и ухода в сферу фолк музыки так сказать для прикрытия, тк. суфизм в Турции на полу-легальном положении.
Во время танца монахи совершают вращение — строго слева направо ( число Фибоначчи, спирали, галактик и т.д.) во время которого впадают в транс. Это отчасти объясняет то, почему у них не возникает проблем с вестибулярным аппаратом. Число вращение или их скорость могут быть различны, однако всё же существует предел. Один дервиш, как рассказывают, делал до 800 вращений в течении 1 часа, при этом не испытывал серьезных недомоганий.
Итак, мы уже начали наше музыкальное путешествия. Первую останову мы сделали в Турции. Теперь переместимся в другую древнюю страну восточнее - Иран, который когда-то назвался "Персией".
Персия - родина великого суфийского поэта, философа и теолога Джелаладдина Руми ( 1207-1273).
Руми передавал основоположения суфизма в виде притч - он писал поучительные притчи подобно греческому баснописцу Эзопу лишь с той разницей, что у Эзопа басни имели иносказательный смысл, но поясняющий земный понятия, а притчи Руми — понятия абстрактные, метафизические, и имели скрытый смысл, который мог быть истолкован неверно непосвященными. Так, например в притче о пьянице «вино» может иметь смысл «вино божественной любви» в отличие от притчи традиционной…
Но речь у нас о музыке. И вот какое интересное наблюдение, дорогой читатель. Примерно с конца 80-х начинается всплеск так называемого «нового музыкального суфизма» - стиля эклектического, не-шаблонного фолкового и, думаю, именно поэтому набравшую огромную популярность не только в их родных странах, но и вообще в мире. Тон задают молодые музыканты и аранжировщики, применяющие электронные инструменты вкупе с народными. Так рождаются интересные проекты.
Один из них назывался Vas. Он существовал с 1996 по 2004 годы. В переводе с фарси « сocуд». На другом, кажется, одном из диалектов урду "сад" — еще и ключевое понятий теологии суфизма. Это и Сад Желаний и Сад Мудрости.
Проект Vas появился на свет прежде всего благодаря деятельности одной участницы по имени Aзам Али ( Azam Ali). Азам была иранской эмигранткой и училась в университете Лос-Анжелеса, где выступала в самодеятельной группе. После учебы она училась игре на сантуре (santur) – иранских цимбалах, удивительном инструменте сделанным из дерева грецкого ореха. Но как оказалось, это не было её главным увлечением. Азам исполняла песни на стихи Руми, а также сочиняла собственную музыку и тексты на фарси и английском, находясь под сильным влиянием поэзии суфиев. Исполняла весьма неплохо, иногда аккомпанирую себе на тамбурине или дафе - плоском иранском барабане.
Однажды иранку заметил музыкант-электронщик Грег Элисс ( Greg Ellis) учившийся в этом же университете и предложил аранжировки её музыки. Так был сделан Vas. Кстати, vas ( cосуд) в восточной эзотерике - символ души.
Композиция Samaya с альбома «In The Garden Of Souls» 2000-го года. Гипнотическая, нереальная музыка. Рекомендую слушать в наушниках.
«Через искусство, у нас есть возможность общаться друг с другом на гораздо более высоком уровне, но этот уровень общения может происходить, только если у художника есть очень честные и ясные намерения. Слушатели не простаки. На что-то меньшее, чем это полная отдача со стороны артиста они не согласны. Музыка же, в силу ее неосязаемости, является наиболее эзотерическим искусством - она в силах снести все умственные и чувственные барьеры. Если я решу, как певца, достичь этой центральной точки, то мне сначала нужно убедиться, что я пою о себе. В противном случае я просто пою мелодию, которая растворится как красивое облако, не оставит длительных впечатлений. У человеческого голоса огромный потенциал. Он служит не только для слов. Он имеет возможность сделать все прозрачным, благодаря способности для такой трансформации. Для меня это как абстрактная мечта, наделенная совершенным смыслом. Сон, от которого можно пробудиться и остаться с невероятно глубокими впечатлениями чего-то неописуемого» - Азам Али
Композиция Spring Arrives ( Весна начинается) уже с сольного электронного альбома Азам под названием Elysium For The Brave ( Элизиум для храбрых) 2006-го года. «Весна» в суфийской аллегории - пробуждение духовных сил человека из мрака эгоизма и невежества.
Один из немногих видеоклипов Азам. Символический, немного загадочный. И очень красивый.
В 2005-году Азам Али в содружестве с ди-джеем Карменом Риццо и своим мужем — иранским музыкантом и продюсером Логой Рамином Торкианом создают Niyaz/Нияз – очень удачный музыкальный проект ещё более подчеркнувший музыкальные и лирические пристрастия Азам и ее коллег. Сами они характеризовали собственный проект как «современная мистическая музыка», смесь суфизма + электроники в стиле «транс». База текстов была расширена - помимо Руми вошли другие средневековые авторы: Обейд-и-Закани, Амир Хосров, Кермани и др.
До сего дня Niyaz выпустил 4 альбома. Все они достаточно неплохие.
Nahan, композиция с самого перового альбома 2005-го.
Одна из композиций из live-акустических вариантов, без электроники. Сакральная персидская музыка.
На мой субъективный мой взгляд: из альбома в альбом в Niyaz-е все более и более слышны «нотки» пакистанского суфизма. Мало того, что многие композиции звучат на урду, а музыка (как приведенная выше композиция) = смесь панджаби в ритм-секции и типичных пакистанских струнных гармоний — сама лирика очень иногда пенджабско-пакистанская. Аллегории, «вина», «сада», «опьянения любовью»… И не мудрено, друзья, потому что именно в Пакистане суфизм как учение наиболее силен. Поэтому следующее наше музыкальное путешествие туда.
Что же особенного в пакистанском «музыкальном суфизме». Дело в том, что именно в этой стране (и в северной Индии) возник особый вид распевов, который стал популярен у многих слушателей сначала на Востоке, а затем во всём мире. Распевы называются qawwali (каввали). История их возникновения уходит вглубь веков и насчитывает ок. 800 лет. Изначально каввали были задуманы как род медитативной музыки, и всё это время продолжают оставаться таковыми не уходя в сферу секулярного, развлекательного искусства = т.е. исполнителем каввали может быть только духовный человек, т.к. передать с помощью музыки и пения высокие духовные стихи и притчи может не каждый, ибо слушатель сразу поймет кто делает это искренне, а кто нет. Каввали ещё уникальны тем, что это и медитация и проповедь и пение.
Хорошее каввали всегда, как говорят мусульмане, это «калам Всевышнему». Калам в исламе — истолкование основанное на логике, разуме, а не на заключениях авторитетов. Калам — это твое понимание, твой опыт. В этом плане у калама много общего с западной традицией феноменологии, уходящий корнями в далёкое прошлое. Изучая что-то и понимая это путем проб и ошибок, ты как бы сам создаешь мир, а заодно и себя в нём. Упор суфиев на «калам» и мистический созерцательный опыт часто вызывал отторжение официальной государственной религии, которая видела в суфизме источник угрозы себе и существующему строю. Ибо роль культа, многочисленных регламентаций основанных на традициях сводится к минимуму. Вот почему суфизм в этом плане «другой ислам». При это говорящий не об утверждении чего-то силой, властью или жестким распорядком, а напротив - говорящий о всеобщей любви.
Как происходит исполнение. Если речь об ансамбле, музыканты садятся на пол в два ряда. Первый ряд певцы, или - если певец один, то по бокам от него обычно музыканты с барабанами или индийской гармоникой. Весь второй ряд — это бэк-вокал и несколько человек со струнными. Хотя часто порядок может меняться, но то, что основное пение исходит из первого ряда — неизменно и вполне логично: зрителям нужно видеть кто поёт.
Как средство усвоения с помощь «музыкальной медитации» относительно сути подачи материала способ «каввали» гениален. Оторвавшись от духовно-просветительной цели этой музыки, оперируя сухим языков психологических терминов, могу лишь только подтвердить: психологически, просто идеальная форма усвоения… В самом деле. Всё кажется очень продуманно. Вначале идет достаточно долгий и неспешный музыкальный проигрыш, как бы настраивая слушателя на медитативный лад (тему). Затем начинается пение. Пение так же вначале неспешное, как бы заставляющая настроиться на то, о чем будет речь. Затем амплитуда голоса увеличивается, певец поет все громче сопровождая, как бы акцентируя слова песни жестами идущими в (!) диссонанс (очень сильный ход) с быстрыми проигрышами между текстами на гаромонике = превосходный тэг-якорь основанный на контрасте…Думаю, если бы лекции студентам подавались в форме "каввали" ( именно с акцентом на ключевых понятиях многократно повторяемых бэк-вокалистами и закрепленными «якорями» в виде аудио-визуальных маркеров — ритмики и струнных тюнов + хлопками в ладоши - что повторяешь и ты , ибо это глубоко западает в соответвующий отдел полушария отвечающего за «медленную память»- успеваемость была бы лучше. Шучу, конечно.
Цель каввали - добиться полного «энергетического» единения со слушателями, проникновения слов в их сердца когда сами слушатели начинают петь или танцевать — это значит что каввали удался, и это «калам». Хорошее каввали это и проповедь, и медитиция, и музыка, и пение, и духовное единение певца и слушателя. А идеальное каввали это достижение «ваджда», духовного транса.
Среди множества музыкантов играющих каввали, нужно отметить общепризнанного лидера благодаря которому каввали как жанр стал известен на Западе — Нусрата Фатеха Али Хана. В 90-х мир узнал что существует это чудесная индо-пакистанская музыка и эффект от этого был ровно такой же как от «рэгги» Боба Марли в 70-х. В 90-х Али Хан сделал фурор в США где был на вершине Биллборда и завоевал множество наград. Это действительно очень талантливый музыкант. Отрывок с концерта 1993-года
Но, поскольку мой блог субъективный, при том о суфизме, метод которого предполагает отвержение слепого следования за авторитетами, то расскажу о моих предпочтениях в каввали. Это два музыканта.
Имя первого Азиз Миан ( Aziz Mian) - личность удивительная. Поэт, учёный-философ, богослов, писатель. И, конечно же, исполнитель каввали. Пакистанец, он родился в столице Индии. А умер в Иране. За 58 лет жизни он создал множество песен. Так же как стихов и эссе, большая часть которых, увы, так и не переведена на известные языки…
Азиз Миан пожалуй один из немногих каввалистов, кто вызывают крайние оценки. Одних, вроде меня, он восхищает. Других он раздражает. Все из-за особого стиля исполнения. Азиз, пожалуй, единственный из исполнителей каввали так неистово доносящий свои мысли. От распевок Миана исходит просто огромная энергия. Даже не зная слов это ощущаешь, что же можно сказать о тех, кто понимают о чём речь… У меня не так много песен Миана — может быть наберется 12-15, и не слишком хорошего качества записи. Поначалу мне они казались непривычны, немного экстравагантны, но постепенно я полюбил их настолько, что слушаю их регулярно.
Поэзия Миана очень глубока и состоит из аллегорий. «Вино», «возлюбленная», «Путь», «Сад». Перевод с урду и панджаби лишь наполовину может передать её смысл.
Не спеши, я опять к твоему вопросу.
Смотри, настал Судный день, так зачем же спешить. И куда?
Налей немного вина. Я постепенно заплачу тебе по всем счетам…
Aзиз Миан
Другой человек о котором пойдет речь уже при жизни стал легендой. Его зовут Cаен Захур (Saeen Zahoor). Суфий, мудрец, дервиш, аскет, мистик. И Певец, с большой буквы.
Саен родился в Пенджабе в очень бедной семье. О его детстве и юности мало известно. Известно, что мальчишкой он скитался пока не пришел в один из храмов где познакомился со своим наставником, Раунка Али, который ввел его в мир каввали. Саен изучал суфизм и одновремено совершенствовался как певец. В 1989-м он впервые исполнил немсколько песен публично в Пакистане на каком-то мероприятии как часть культурной программы, с тех пор обрёл славу. Что подкупает в пении Саена Закура? В первую очередь, это искренность со слушателем. Необыкновенно сильный голос. Простые и, в то же время, глубокие тексты. В личности - образ жизни: отказ от роскоши, богатства. Концерты для бедных. В 2006 году Саен Захур обрёл мировую славу: он был удостоен престижной престижной номинации «ВВС World Music» как «best voice of the year 2006», лучший голос 2006-го. К 2010-му, благодаря концертам от Японии до Ирландии, его теперь знали очень многие. Но слава никак его не изменила. Он оставался своим принципам - удивительно скромный и добрый человек, который как истинный суфий равнодушен к славе и деньгам. А внешне - так 1000 лет назад и выглядели древние дервиши.
Пусть вас не смущает обилие перстней на пальцах, и ожерелье из камней. Много ли мы с нашими знаниями и технологиями знаем о свойствах камней. Не очень. Для индуса камни связаны с «чакрами». Для суфия камни - не украшение, как раз больше чем украшение - они, скорее, не украшения-диэлектрики, а сакральные «полу-проводники» помогающие раскрыть духовный потенциал. Инструмент в руках Сайена также очень древнего, чуть ли не 2000-летнего происхождения, это «эктара» - индийская однострунная «пастушья» лютня.
Пенджаб — проблемный район, источник постоянных конфликтов и распрей на религиозной и национальной почве между индусами и пакистанцами вот уже сотню лет. Сайен Закур - та личность, которая имеет колоссальный авторитет по обе стороны «баррикад».
Мой рассказ рассказ о суфийской музыке перевалил экватор. Теперь, не покидая региона, переместимся несколько севернее, в Карачи, столицу Пакистана. Точнее в одну из его студий, где в 2009-м был записан интересный проект с участием как и обычных музыкантов, так и тех кто исполняет суфийскую музыку.
Речь пойдет о телепроекте Coke Studio, вызвавшему, как потом оказалось, колоссальный интерес во всем мире. О другой строне проекта, который оказался даже выше чем его музыкальная сторона я скажу в самом конце.
Итак, чем же интересен этот проект. Во-первых, это профессионализм высокой пробы от аранжировок до звукорежиссуры. Во-вторых концепция синтеза, стыка стилей и направлений. Получилось очень оригинально и красиво. Бывают неудачные проекты, когда красивая этническая музыка бывает построена под поп, рок, клубную, танцевальную и т.д. - причем очень грубо, и тогда это вызывает очень печальные мысли, так как ты видишь что тем самым происходит профанация идеи «фолка». Здесь, в проекте Coke Studio, всё сделано с огромным тактом и почтением, и выверено почти что с аптекарской точностью - на мой придирчивый слух, я не заметил никаких переборов. Посмотрите и послушайте сами.
С чего же начать. Начнем с ребят которых любят и в Индии, и в Пакистане. И даже за их пределами. Удивительно тёплое, искренее исполнение. Настоящая народная музыка.
Очень приятная, с доброй энергетикой композиция. Группа пакистанских музыкантов поют на панджаби и с панджаби-аранжировкой все о том же — любви, добре, свете… Часто в суфийской лирике можно встреть очень много фраз со словом «Pir» ( именно так, с большой буквы, хотя имя неодушевленное и не личное.) Речь о Пути, т.к pir — это «путь». Под словом «путь» в суфизме понимается и «жизненный путь» и «судьба» и «Провидение».
Прекрасно исполненное и не менее красиво аранжированное каввали в исполнении Фарида Аяза и Абу Мохаммада. В песне речь девушки, ожидающей возлюбленного, аллегория человека оставленного и одинокого, оплакивающего свою судьбу.
Потрясающая, совершенно чудовищной психоделики вещь на панджаби с суфийской лирикой в исполнении Мееша Шафи ( Meesha Shafi) в замечательной трип-хоповой аранжировке, которая мне немного напомнила «What Your Soul Sings» Massive Attack. Слушать рекомендуется в наушниках. Обязательно дослушайте до конца. Это какое-то другое измерение.
Удивительно красивый пенджабский распев в исполнении Атифа Аслама. Так же рекомендую это лучше послушать в наушниках. Чуть-чуть напоминает «Speak To Me» Pink Floyd c альбома Dark Side OF The Moon. С поправкой на "этнику", конечно.
Manzil-el-Sufi, психоделическое пение в исполнении Санам Марви. Превосходны и исполнение, и аранжировка.
Ну что же, вот и закончилась музыкальное путешествие. Надеюсь оно было интересным.
В заключении, о том, что я имел в виду когда говорил что у проекта Сoke Studio, помимо чисто музыкального эффекта, появился другой, неожиданный, который стал гораздо более важен.
Этот эффект - огромная волна добрых откликов, писем от людей из Пенджаба, Индии, Пакистана, Ирана, Европы, Азии, Америки со словами огромной благодарности. От людей разных рас, религий, вероисповеданий. Такая музыка раздвигает границы, не отчуждает, а соединяет людей. Язык о братстве людей, любви Создателя, так разнится с языком духа разделения и вражды… В Пакистане исполнителей каввали приговорил к смерти талибан. На Ближнем Востоке — салафиты ( вакхабиты). В мусульманских странах их не жалуют многие важные деятели офиц. религии, куда, увы, проникала коррупция и политические уклоны. В Индии и Пакистане их ненавидят ярые националисты с обеих сторон, ибо исполнители говорят о примирении. И как нигде - в Пенджабе, болевой точке обеих стран… И тем более эффект был совершенно ошеломительный когда хотя бы на время прекратилась вражда, и люди поняли, что то нет, не они сами, а другие… личности отвратительные, стоящие за ширмой и дергающие за нитки, кидают кости раздора между расами и религиями, затем продают оружие и потирают руки — им это надо, а не людям кто слушает такую музыку и проникается её смыслом…
И если такое происходит, если люди благодаря музыке говорящей им совсем о другом - прозревают и меняются, значит Бог действительно есть.
До новых встреч.
Суфизм — тайное мистическое учение в исламе. Это удивительное явление. Возник он в VII веке. Сам смысл обязан своему происхождению слову sufi которое имеет троякое значение: «шерсти» или шерстяной одежды, которую носили ранние суфии, может иметь связь со словом «чистота» и еще одной морфемой - с греческим sophia (мудрость).
Троякость значения в дальнейшем легла на обширные метафорические трактовки положенные на стихи и песни. Тем не менее, «суфизм» более чаще оно понимает под собой значения «человека религиозного образования, кто стремится быть ближе к Всевышнему», мудреца который знает смысл вещей и предназначения себя в этом мире.
Исторически суфизм как учение в исламе имел противоречивое влияние и имел крайние формы оценки — от восхищения до полного неприятия. Государством, официальной гос. религией и её номинациями (суннитами и шиитами) суфизм более отторгался чем принимался и, напротив, народными массами, не слишком вдающимися в суть культовых разногласий, суфии и суфизм всегда расценивались как альтернатива власти и гос. религии.
В традиции суфизма огромную роль имело значение учителя, духовного наставника т.к. суфизм это более устная форма передачи знаний, восходящая к самым древним формам дидактики. Это роднит её с индусскими или греческими философами, древними каббалистами или средневековыми мистиками.
Знания суфия сакральны, персональны, им нельзя обучить в традиционном смысле слова. Скорее, это наука «умения чувствовать мир вокруг» руководствуясь заповедями Всевышнего. Это первое. Второе - соответствующий образ жизни способствующий погружению в тайные миры. Молитвы в суфизме также необычны, они напоминают и мантры буддистов и соцерцательные медитации католических монахов и византийских исихастов. Иногда они сопровождаются ритмическими действиями.
Хорошо известна ( так как это стало подобием брэнда в Турции так же как Шао Линь в Китае на который приезжают чтобы посмотреть) практика погружения с помощью танца. В Турции это так называемые «танцующие дервиши» - пожалуй единственные из исламских монашеских орденов исповедующих суфизм именно благодаря «брэндовости» и ухода в сферу фолк музыки так сказать для прикрытия, тк. суфизм в Турции на полу-легальном положении.
Во время танца монахи совершают вращение — строго слева направо ( число Фибоначчи, спирали, галактик и т.д.) во время которого впадают в транс. Это отчасти объясняет то, почему у них не возникает проблем с вестибулярным аппаратом. Число вращение или их скорость могут быть различны, однако всё же существует предел. Один дервиш, как рассказывают, делал до 800 вращений в течении 1 часа, при этом не испытывал серьезных недомоганий.
Итак, мы уже начали наше музыкальное путешествия. Первую останову мы сделали в Турции. Теперь переместимся в другую древнюю страну восточнее - Иран, который когда-то назвался "Персией".
Персия - родина великого суфийского поэта, философа и теолога Джелаладдина Руми ( 1207-1273).
Руми передавал основоположения суфизма в виде притч - он писал поучительные притчи подобно греческому баснописцу Эзопу лишь с той разницей, что у Эзопа басни имели иносказательный смысл, но поясняющий земный понятия, а притчи Руми — понятия абстрактные, метафизические, и имели скрытый смысл, который мог быть истолкован неверно непосвященными. Так, например в притче о пьянице «вино» может иметь смысл «вино божественной любви» в отличие от притчи традиционной…
Но речь у нас о музыке. И вот какое интересное наблюдение, дорогой читатель. Примерно с конца 80-х начинается всплеск так называемого «нового музыкального суфизма» - стиля эклектического, не-шаблонного фолкового и, думаю, именно поэтому набравшую огромную популярность не только в их родных странах, но и вообще в мире. Тон задают молодые музыканты и аранжировщики, применяющие электронные инструменты вкупе с народными. Так рождаются интересные проекты.
Один из них назывался Vas. Он существовал с 1996 по 2004 годы. В переводе с фарси « сocуд». На другом, кажется, одном из диалектов урду "сад" — еще и ключевое понятий теологии суфизма. Это и Сад Желаний и Сад Мудрости.
Проект Vas появился на свет прежде всего благодаря деятельности одной участницы по имени Aзам Али ( Azam Ali). Азам была иранской эмигранткой и училась в университете Лос-Анжелеса, где выступала в самодеятельной группе. После учебы она училась игре на сантуре (santur) – иранских цимбалах, удивительном инструменте сделанным из дерева грецкого ореха. Но как оказалось, это не было её главным увлечением. Азам исполняла песни на стихи Руми, а также сочиняла собственную музыку и тексты на фарси и английском, находясь под сильным влиянием поэзии суфиев. Исполняла весьма неплохо, иногда аккомпанирую себе на тамбурине или дафе - плоском иранском барабане.
Однажды иранку заметил музыкант-электронщик Грег Элисс ( Greg Ellis) учившийся в этом же университете и предложил аранжировки её музыки. Так был сделан Vas. Кстати, vas ( cосуд) в восточной эзотерике - символ души.
Композиция Samaya с альбома «In The Garden Of Souls» 2000-го года. Гипнотическая, нереальная музыка. Рекомендую слушать в наушниках.
«Через искусство, у нас есть возможность общаться друг с другом на гораздо более высоком уровне, но этот уровень общения может происходить, только если у художника есть очень честные и ясные намерения. Слушатели не простаки. На что-то меньшее, чем это полная отдача со стороны артиста они не согласны. Музыка же, в силу ее неосязаемости, является наиболее эзотерическим искусством - она в силах снести все умственные и чувственные барьеры. Если я решу, как певца, достичь этой центральной точки, то мне сначала нужно убедиться, что я пою о себе. В противном случае я просто пою мелодию, которая растворится как красивое облако, не оставит длительных впечатлений. У человеческого голоса огромный потенциал. Он служит не только для слов. Он имеет возможность сделать все прозрачным, благодаря способности для такой трансформации. Для меня это как абстрактная мечта, наделенная совершенным смыслом. Сон, от которого можно пробудиться и остаться с невероятно глубокими впечатлениями чего-то неописуемого» - Азам Али
Композиция Spring Arrives ( Весна начинается) уже с сольного электронного альбома Азам под названием Elysium For The Brave ( Элизиум для храбрых) 2006-го года. «Весна» в суфийской аллегории - пробуждение духовных сил человека из мрака эгоизма и невежества.
Один из немногих видеоклипов Азам. Символический, немного загадочный. И очень красивый.
В 2005-году Азам Али в содружестве с ди-джеем Карменом Риццо и своим мужем — иранским музыкантом и продюсером Логой Рамином Торкианом создают Niyaz/Нияз – очень удачный музыкальный проект ещё более подчеркнувший музыкальные и лирические пристрастия Азам и ее коллег. Сами они характеризовали собственный проект как «современная мистическая музыка», смесь суфизма + электроники в стиле «транс». База текстов была расширена - помимо Руми вошли другие средневековые авторы: Обейд-и-Закани, Амир Хосров, Кермани и др.
До сего дня Niyaz выпустил 4 альбома. Все они достаточно неплохие.
Nahan, композиция с самого перового альбома 2005-го.
Одна из композиций из live-акустических вариантов, без электроники. Сакральная персидская музыка.
На мой субъективный мой взгляд: из альбома в альбом в Niyaz-е все более и более слышны «нотки» пакистанского суфизма. Мало того, что многие композиции звучат на урду, а музыка (как приведенная выше композиция) = смесь панджаби в ритм-секции и типичных пакистанских струнных гармоний — сама лирика очень иногда пенджабско-пакистанская. Аллегории, «вина», «сада», «опьянения любовью»… И не мудрено, друзья, потому что именно в Пакистане суфизм как учение наиболее силен. Поэтому следующее наше музыкальное путешествие туда.
Что же особенного в пакистанском «музыкальном суфизме». Дело в том, что именно в этой стране (и в северной Индии) возник особый вид распевов, который стал популярен у многих слушателей сначала на Востоке, а затем во всём мире. Распевы называются qawwali (каввали). История их возникновения уходит вглубь веков и насчитывает ок. 800 лет. Изначально каввали были задуманы как род медитативной музыки, и всё это время продолжают оставаться таковыми не уходя в сферу секулярного, развлекательного искусства = т.е. исполнителем каввали может быть только духовный человек, т.к. передать с помощью музыки и пения высокие духовные стихи и притчи может не каждый, ибо слушатель сразу поймет кто делает это искренне, а кто нет. Каввали ещё уникальны тем, что это и медитация и проповедь и пение.
Хорошее каввали всегда, как говорят мусульмане, это «калам Всевышнему». Калам в исламе — истолкование основанное на логике, разуме, а не на заключениях авторитетов. Калам — это твое понимание, твой опыт. В этом плане у калама много общего с западной традицией феноменологии, уходящий корнями в далёкое прошлое. Изучая что-то и понимая это путем проб и ошибок, ты как бы сам создаешь мир, а заодно и себя в нём. Упор суфиев на «калам» и мистический созерцательный опыт часто вызывал отторжение официальной государственной религии, которая видела в суфизме источник угрозы себе и существующему строю. Ибо роль культа, многочисленных регламентаций основанных на традициях сводится к минимуму. Вот почему суфизм в этом плане «другой ислам». При это говорящий не об утверждении чего-то силой, властью или жестким распорядком, а напротив - говорящий о всеобщей любви.
Как происходит исполнение. Если речь об ансамбле, музыканты садятся на пол в два ряда. Первый ряд певцы, или - если певец один, то по бокам от него обычно музыканты с барабанами или индийской гармоникой. Весь второй ряд — это бэк-вокал и несколько человек со струнными. Хотя часто порядок может меняться, но то, что основное пение исходит из первого ряда — неизменно и вполне логично: зрителям нужно видеть кто поёт.
Как средство усвоения с помощь «музыкальной медитации» относительно сути подачи материала способ «каввали» гениален. Оторвавшись от духовно-просветительной цели этой музыки, оперируя сухим языков психологических терминов, могу лишь только подтвердить: психологически, просто идеальная форма усвоения… В самом деле. Всё кажется очень продуманно. Вначале идет достаточно долгий и неспешный музыкальный проигрыш, как бы настраивая слушателя на медитативный лад (тему). Затем начинается пение. Пение так же вначале неспешное, как бы заставляющая настроиться на то, о чем будет речь. Затем амплитуда голоса увеличивается, певец поет все громче сопровождая, как бы акцентируя слова песни жестами идущими в (!) диссонанс (очень сильный ход) с быстрыми проигрышами между текстами на гаромонике = превосходный тэг-якорь основанный на контрасте…Думаю, если бы лекции студентам подавались в форме "каввали" ( именно с акцентом на ключевых понятиях многократно повторяемых бэк-вокалистами и закрепленными «якорями» в виде аудио-визуальных маркеров — ритмики и струнных тюнов + хлопками в ладоши - что повторяешь и ты , ибо это глубоко западает в соответвующий отдел полушария отвечающего за «медленную память»- успеваемость была бы лучше. Шучу, конечно.
Цель каввали - добиться полного «энергетического» единения со слушателями, проникновения слов в их сердца когда сами слушатели начинают петь или танцевать — это значит что каввали удался, и это «калам». Хорошее каввали это и проповедь, и медитиция, и музыка, и пение, и духовное единение певца и слушателя. А идеальное каввали это достижение «ваджда», духовного транса.
Среди множества музыкантов играющих каввали, нужно отметить общепризнанного лидера благодаря которому каввали как жанр стал известен на Западе — Нусрата Фатеха Али Хана. В 90-х мир узнал что существует это чудесная индо-пакистанская музыка и эффект от этого был ровно такой же как от «рэгги» Боба Марли в 70-х. В 90-х Али Хан сделал фурор в США где был на вершине Биллборда и завоевал множество наград. Это действительно очень талантливый музыкант. Отрывок с концерта 1993-года
Но, поскольку мой блог субъективный, при том о суфизме, метод которого предполагает отвержение слепого следования за авторитетами, то расскажу о моих предпочтениях в каввали. Это два музыканта.
Имя первого Азиз Миан ( Aziz Mian) - личность удивительная. Поэт, учёный-философ, богослов, писатель. И, конечно же, исполнитель каввали. Пакистанец, он родился в столице Индии. А умер в Иране. За 58 лет жизни он создал множество песен. Так же как стихов и эссе, большая часть которых, увы, так и не переведена на известные языки…
Азиз Миан пожалуй один из немногих каввалистов, кто вызывают крайние оценки. Одних, вроде меня, он восхищает. Других он раздражает. Все из-за особого стиля исполнения. Азиз, пожалуй, единственный из исполнителей каввали так неистово доносящий свои мысли. От распевок Миана исходит просто огромная энергия. Даже не зная слов это ощущаешь, что же можно сказать о тех, кто понимают о чём речь… У меня не так много песен Миана — может быть наберется 12-15, и не слишком хорошего качества записи. Поначалу мне они казались непривычны, немного экстравагантны, но постепенно я полюбил их настолько, что слушаю их регулярно.
Поэзия Миана очень глубока и состоит из аллегорий. «Вино», «возлюбленная», «Путь», «Сад». Перевод с урду и панджаби лишь наполовину может передать её смысл.
Не спеши, я опять к твоему вопросу.
Смотри, настал Судный день, так зачем же спешить. И куда?
Налей немного вина. Я постепенно заплачу тебе по всем счетам…
Aзиз Миан
Другой человек о котором пойдет речь уже при жизни стал легендой. Его зовут Cаен Захур (Saeen Zahoor). Суфий, мудрец, дервиш, аскет, мистик. И Певец, с большой буквы.
Саен родился в Пенджабе в очень бедной семье. О его детстве и юности мало известно. Известно, что мальчишкой он скитался пока не пришел в один из храмов где познакомился со своим наставником, Раунка Али, который ввел его в мир каввали. Саен изучал суфизм и одновремено совершенствовался как певец. В 1989-м он впервые исполнил немсколько песен публично в Пакистане на каком-то мероприятии как часть культурной программы, с тех пор обрёл славу. Что подкупает в пении Саена Закура? В первую очередь, это искренность со слушателем. Необыкновенно сильный голос. Простые и, в то же время, глубокие тексты. В личности - образ жизни: отказ от роскоши, богатства. Концерты для бедных. В 2006 году Саен Захур обрёл мировую славу: он был удостоен престижной престижной номинации «ВВС World Music» как «best voice of the year 2006», лучший голос 2006-го. К 2010-му, благодаря концертам от Японии до Ирландии, его теперь знали очень многие. Но слава никак его не изменила. Он оставался своим принципам - удивительно скромный и добрый человек, который как истинный суфий равнодушен к славе и деньгам. А внешне - так 1000 лет назад и выглядели древние дервиши.
Пусть вас не смущает обилие перстней на пальцах, и ожерелье из камней. Много ли мы с нашими знаниями и технологиями знаем о свойствах камней. Не очень. Для индуса камни связаны с «чакрами». Для суфия камни - не украшение, как раз больше чем украшение - они, скорее, не украшения-диэлектрики, а сакральные «полу-проводники» помогающие раскрыть духовный потенциал. Инструмент в руках Сайена также очень древнего, чуть ли не 2000-летнего происхождения, это «эктара» - индийская однострунная «пастушья» лютня.
Пенджаб — проблемный район, источник постоянных конфликтов и распрей на религиозной и национальной почве между индусами и пакистанцами вот уже сотню лет. Сайен Закур - та личность, которая имеет колоссальный авторитет по обе стороны «баррикад».
Мой рассказ рассказ о суфийской музыке перевалил экватор. Теперь, не покидая региона, переместимся несколько севернее, в Карачи, столицу Пакистана. Точнее в одну из его студий, где в 2009-м был записан интересный проект с участием как и обычных музыкантов, так и тех кто исполняет суфийскую музыку.
Речь пойдет о телепроекте Coke Studio, вызвавшему, как потом оказалось, колоссальный интерес во всем мире. О другой строне проекта, который оказался даже выше чем его музыкальная сторона я скажу в самом конце.
Итак, чем же интересен этот проект. Во-первых, это профессионализм высокой пробы от аранжировок до звукорежиссуры. Во-вторых концепция синтеза, стыка стилей и направлений. Получилось очень оригинально и красиво. Бывают неудачные проекты, когда красивая этническая музыка бывает построена под поп, рок, клубную, танцевальную и т.д. - причем очень грубо, и тогда это вызывает очень печальные мысли, так как ты видишь что тем самым происходит профанация идеи «фолка». Здесь, в проекте Coke Studio, всё сделано с огромным тактом и почтением, и выверено почти что с аптекарской точностью - на мой придирчивый слух, я не заметил никаких переборов. Посмотрите и послушайте сами.
С чего же начать. Начнем с ребят которых любят и в Индии, и в Пакистане. И даже за их пределами. Удивительно тёплое, искренее исполнение. Настоящая народная музыка.
Очень приятная, с доброй энергетикой композиция. Группа пакистанских музыкантов поют на панджаби и с панджаби-аранжировкой все о том же — любви, добре, свете… Часто в суфийской лирике можно встреть очень много фраз со словом «Pir» ( именно так, с большой буквы, хотя имя неодушевленное и не личное.) Речь о Пути, т.к pir — это «путь». Под словом «путь» в суфизме понимается и «жизненный путь» и «судьба» и «Провидение».
Прекрасно исполненное и не менее красиво аранжированное каввали в исполнении Фарида Аяза и Абу Мохаммада. В песне речь девушки, ожидающей возлюбленного, аллегория человека оставленного и одинокого, оплакивающего свою судьбу.
Потрясающая, совершенно чудовищной психоделики вещь на панджаби с суфийской лирикой в исполнении Мееша Шафи ( Meesha Shafi) в замечательной трип-хоповой аранжировке, которая мне немного напомнила «What Your Soul Sings» Massive Attack. Слушать рекомендуется в наушниках. Обязательно дослушайте до конца. Это какое-то другое измерение.
Удивительно красивый пенджабский распев в исполнении Атифа Аслама. Так же рекомендую это лучше послушать в наушниках. Чуть-чуть напоминает «Speak To Me» Pink Floyd c альбома Dark Side OF The Moon. С поправкой на "этнику", конечно.
Manzil-el-Sufi, психоделическое пение в исполнении Санам Марви. Превосходны и исполнение, и аранжировка.
Ну что же, вот и закончилась музыкальное путешествие. Надеюсь оно было интересным.
В заключении, о том, что я имел в виду когда говорил что у проекта Сoke Studio, помимо чисто музыкального эффекта, появился другой, неожиданный, который стал гораздо более важен.
Этот эффект - огромная волна добрых откликов, писем от людей из Пенджаба, Индии, Пакистана, Ирана, Европы, Азии, Америки со словами огромной благодарности. От людей разных рас, религий, вероисповеданий. Такая музыка раздвигает границы, не отчуждает, а соединяет людей. Язык о братстве людей, любви Создателя, так разнится с языком духа разделения и вражды… В Пакистане исполнителей каввали приговорил к смерти талибан. На Ближнем Востоке — салафиты ( вакхабиты). В мусульманских странах их не жалуют многие важные деятели офиц. религии, куда, увы, проникала коррупция и политические уклоны. В Индии и Пакистане их ненавидят ярые националисты с обеих сторон, ибо исполнители говорят о примирении. И как нигде - в Пенджабе, болевой точке обеих стран… И тем более эффект был совершенно ошеломительный когда хотя бы на время прекратилась вражда, и люди поняли, что то нет, не они сами, а другие… личности отвратительные, стоящие за ширмой и дергающие за нитки, кидают кости раздора между расами и религиями, затем продают оружие и потирают руки — им это надо, а не людям кто слушает такую музыку и проникается её смыслом…
И если такое происходит, если люди благодаря музыке говорящей им совсем о другом - прозревают и меняются, значит Бог действительно есть.
До новых встреч.
В прошлой теме об этнической музыке я рассказывал о Шотландии. На сей раз рассказ будет об этнической музыке России.
Говоря о народной музыке - тем кто это делает невозможно быть объективным в выборе и пристрастиях просто потому, что критерий «этнического» теперь, увы, все более становится размыт, а направление становится все более коммерциализировано — «этника» все более уходит в мэйстрим и, таким образом, идёт на поводу у слушателей не слишком разбирающихся в жанрах, а по идее должно быть наоборот… Хотя, правды ради, заметим, что это теперь беда многих музыкальных стилей и направлений. Вот и мои оценки этнического и выбор примеров - чистая вкусовщина, которая совершенно не претендует на объективность.
Итак. Начну свой обзор из глубины веков. Вернее, от коллектива который исполняет музыку языческой Руси. Коллектив называется «Веданъ Колодъ». Группа была основана в 2006 году в Красноярске. И состоит из молодых людей увлеченных древней славянской музыкой.
Репертуар — песни о языческих богах, народе, природе, нечисти и т.д. Есть что-то шаманское, или точнее, волховское в их песнях. Несмотря на то, что музыка которую они играют лишь стилизация древней музыки, т.к. отчетливо прослушиваются и лады и тональности которые в то ( древнее) время были иными — это достаточно неплохая стилизация. Помимо в репертуаре есть песни народов Севера.
Костяк группы — трое музыкантов: Татьяна и Валерий Нарышкин и Дарья Антипова. Помимо того, что музыка ими исполняемая звучит на забытом старо-славянском, отрадно и то что музыканты используют древние инструменты: скифский рог, жалейка, барабаны и др. И что примечательно, Валерий Нарышкин делает их сам зная древние способы их изготовления. И судя по тому, что звучат эти инструменты очень неплохо, он преуспел в этом.
«Веснянка», альбом «Танец Леших»
Несмотря на свою молодость группа «Веданъ Колодъ» уже успела снискать благожелательные отзывы и простых любителей фолка, и музыкальных критиков. Коллектив участвовал во многих этнических фестивалях в России и за её пределами. На сегодняшний день у Ведана издано 4 CD альбома.
Теперь об одном удивительном инструменте. Гусли — старинный русский струнный щипковый музыкальный инструмент. Гусли, однако, не уникальны по своему происхождению…вернее, они не обязаны уникальностью Руси, это ясно. Так как у многих народов были похожие инструменты. Но почему именно гусли традиционно ассоциируются в сознании с русской седой стариной, непонятно. Очевидно, ответы нужно искать в устном творчестве — былинах и сказах ( не путать со «сказками»), которые традиционно излагались под музыкальное сопровождение гуслей.
В самом деле, истории положенные на такие тембры (их частотный диапазон) — великолепно запоминаются. Это заметили еще древние греки, которые положили начало «сказительства» приметив факт, что под кифару и арфу долгие истории отменно запоминаются и, в добавок, у слушателя благодаря музыкальной окраске создаются красочные образы, живые картины, которые надолго оседают в памяти. За тысячу лет до изобретения радио, «театр у микрофона» уже существовал…
Васнецов, "Гусляры"
Самый древний сказитель, «гомер» древних русичей — легендарный Боян, упоминаемый в «Слово о полку Игореве». Что это была за личность никому не известно. Но судя по благоговению автора «Слова» перед этим человеком, это была личность почти что сакральная, близкая к Орфею, если проводить опять аналоги с греками.
Памятник Бояну в Трубчевске
Возвращаясь в наше время и продолжая разговор о гуслях, радует что искусство игры на них не забыто. И даже в наше время существует немало музыкантов-энтузиастов это практикующих. При всем уважении к остальным, мне бы хотелось выделить,на мой взгляд, самого искусного из них, Егора Стрельникова.
Егор - уникальный музыкант. Мало того, что он настоящий виртуоз и владеет игрой на гуслях в совершенстве, он еще и отличный композитор и импровизатор. Егор родился в Запорожье, Зап. Украина. Гуслями и искусством игры на них увлекся давно — так же, как вообще проникся большой любовью к древней русской культуре через музыку.
Музыка Руси всегда была очень тесно связана с религией. До христианства это был языческий пантеон богов, древние стихии, силы природы которые неизменно присутствовали в текстах песен. После принятия христианства часть музыки светской все равно осталась связана с религией. Так было всегда: люди проецировали свои проблемы на свои идеалы. В литературе, живописи. И в том числе в музыке. Жанр «христианской исповедальной лирики» возник в 17-м веке. В чем был смысл таких произведений. Он в том, что человек посредством слова или звука говорит прежде всего с собой… и в то же время с тем что выше его, лучше его, и совершеннее его — то что он не может выразить, но он это чувствует это присутствие. И когда такой диалог получается, то он называется «молитва». Цель его в том, чтобы добиться мира в себе, как писал Лермонтов:
С души как бремя скатится,
Сомненье далеко —
И верится, и плачется,
И так легко, легко…
Евгения Смольянинова сама сочиняет стихи к своим песням, иногда стилизуя их под старо-русский слог. Но получается это очень искренне, проникновенно и по-детски трогательно.
«Воскрешение Лазаря» с альбома «Молитва», 1997.
Идем дальше. Садимся в машину времени. Раз, два, три… Степь, закат. Осень, уже прохладно. Небо серое. Мы стоим на холме. С холма открывается вид на равнину. На равнине мы видим множество людей, лошадей и повозок. Люди вооружены. Но это не солдаты. На них армяки, кафтаны. Это русские. Кое-где мелькают всадники одетые в халаты и меховые шапки. Это башкиры. Путь людей долгий, на север. Неожиданно кто-то затягивает песню. И вот через мгновение уже тысячи людей подхватывают её, и степь наполняется протяжным гулом…а из-за туч начинает пробивать солнце. Первые слова песни нам отчетливо слышны. Из чего мы делаем вывод, что мы очутились в 18-м веке где-то под Оренбургом. Это восстание Пугачёва, а мы являемся его свидетелями перемещения его армии…
Песня «Нас пугали Пугачём» была записана замечательным этнографом и искусствоведом Львом Христиансеном в 1956 г. в Курганской области. Эта песня, по всей видимости, современница пугачевского восстания. Но, может быть, была сложена позже. Однако смысл и интонации о пугачевском восстании, бунтарском духе народа того времени очень хорошо иллюстрирован в ней.
«Нас пугали Пугачом, да,
Он кормил нас калачом,
Государь нас бил с плеча, да,
Пугач дал нам калача
Пугача мы испугались
И ко церкви собирались,
И ко церкви собиралися,
Мы иконам поклонялись
И кресты мы целовали,
И кресты мы целовали, да.
Но пришёл Емелюшка,
Пришла его неделюшка,
Пришла его неделюшка…»
…да, вот такой он, русский бунт.
Ансамбль этнической музыки «Русичи» был основан в 1980 году Виталием Галицким ( на клипе он с бородой) и включает еще двух музыкантов — Андрея Сенина и Валентина Жигалина.
Началось это, судя по всему, с коллекционирования древних русских инструментов. На которых затем начали исполнять музыку. Коллекция «Русичей» большая и уникальная. Там,например, есть там артефакты начиная (!) c XI-го и далее до XIX века. Однако, конечно же, те инструменты на которых играют они — это реконструкция. И реконструкция очень талантливая.
Расскажу о некоторых русских народных инструментах.
Владимирский рожок. Изготавливался из бересты на Руси с незапамятных времен и в разных местах, но, судя по названию, получил известность благодаря ассоциации с княжеством Владимирским.
Гудок - тоже старинное музыкальное изобретение. Казалось бы само слово «гудок» говорит что он духовой. Но нет, это струнный инструмент. Состоит из 3-х струн. И на нём играют смычком. И хотя гудок считается русским инструментом, я подозреваю, что он все же был «импортирован» от южных соседей с Балкан или из Зап. Европы.
А дудки-пыжатки обязаны своему происхождению Курской волости.
А так делается знаменитая жалейка. Отрывки из фильма «Прощание с Меховым» снятого по заказу ZDF в 2000-м году на Витебщине.
Снова включу машину времени и перемещу читателя этого рассказа в наши дни, ибо подхожу к кульминации рассказа. Речь пойдет о замечательном человеке, который вот уже много лет вызывает у меня глубокой уважение. Его зовут Сергей Старостин. И это большой подвижник русской музыки.
И действительно, все что он делал и делает не может не восхищать. Великолепный музыкант, исполнитель, композитор и аранжировщик, этнограф и музыковед. Но, самое главное, Старостин - энтузиаст, горячий пропагандист исконной русской музыки.
Позволю себе отступление от темы. Мне повезло в жизни с интересными людьми, один из них был Коля - этнограф, умный и талантливый ученый. И просто хороший человек. Не так давно его не стало… Как-то раз он сказал мне фразу, на которую я поначалу совершенно не обратил внимания. Но теперь спустя годы вспоминаю её постоянно. Он сказал примерно следующее: « Ты знаешь, мы часто говорим о «русской» культуре. Слышим «русскую» музыку. Там и сям говорим: «вот это по русски!». Даже «любить по русски» можно, оказывается… Но дело в том, что та русская культура почти умерла. Её нет. На её место пришла культура «русского народного комикса» которая сформировалась в начале 20 века в российских городах под действием промышленной революции. Советская власть и коллективизация ускорила этот процесс. Древний человек с его психологией умер до 20 века …или существует в редких видах на грани исчезновения. Зыкина или Кадышева — они поют по русски, но это мутант исконной народной культуры. И дело даже не в музыкальной форме или стиле. Исконная народная песня исчезла к началу 20 века и если сохранилась, лишь в глухих деревушках. А всё после — фарс.»
Вспоминая его слова, неожиданно на ум мне пришли строки Есенина, который называл себя «последним поэтом деревни» ( Клюев, вот, не бил себя в грудь но в действительности как раз и был оным)…при этом Есенин как человек в жизни был совсем другим, нежели тот в кого он играл посредством пера и бумаги. Спасский вспоминает крестьянского поэта: «Одет он был с тем щегольством, какое было присуще ему в имажинистский период. Широкая, свободно сшитая тёмная блуза, что-то среднее между пиджаком и смокингом. Белая рубашка с галстуком-бабочкой, лакированные туфли». А Городецкий говорит о том, как Есенин стал заложником своей собственной ролевой игры: «Он терпеть не мог, когда его называли пастушком Лелем, когда делали из него исключительно крестьянского поэта. Отлично помню его бешенство, с которым он говорил мне в 1921 году о подобной трактовке его. Он хотел быть европейцем….При этом Есенин писал душа-на-распашку русские стихи-исповеди – кстати, по моему мнению достаточно заурядные стихи, которые за отсутствием смысла и красоты слога компенсировались эпатажностью, китчем и образом сельского вольтерьянца…- и то был тот же искусный фарс ровно теперяшний от ВиаГры, на которую смотрят больше чем слушают…И вот, уже после после того как образ сделает свою черную работу, включаются уши и дополняют картину. Дополняют, но не основывают. И этот «комикс русской культуры» (ибо комикс —дайджест, клише и стереотип) конечно же был более понятен сознанию уже не зацикленному на небо, а орифмованному левыми маршами Маяковского и плакатами Родченко. Старый идеализм был подмят под лекала, которые задолго до американской массовой культуры отливали формы с шрих-кодом опознавания «формат/неформат». Но, господа. Наследие прошлого оказалось так великолепно и неформатно, что нужно было постараться сделать из него продукт годный одинаково для и интуристов осматривающих Суздаль и граждан СССР интересующихся дореволюционным прошлым самовольно без методологии классиков марксизма. Думаю, так возникли мемы «загадочная русская душа» и наипошлейший вопрос «что вы думаете о русских женщинах?», и лубочная «хохлома» как атрибут престижа в квартирах, и иконы в золотых окладах как атрибут состоятельности и фальшивого диссидентства , и танцующие в интуристе артистки варьете в купальниках под «Красный Сарафан» Джеймса Ласта с тонной макияжа на лице. Так возникла клиппированная гусарно-самоварная Раша, о которой пел Токарев. По ту сторону царила другая игра образов. Например, Высоцкий. «Эх раз, еще раз, еще много-много…» Много образов, игр. «И ни церковь ни кабак, ничего не свято». Свой в доску парень с брутальной внешностью правдоруба, русского Гамлета и Глеба Жеглова как проекция пугачевщины…в жизни реально балующийся героином богемный персонаж, любящий шик, одевавшийся с иголочки, кушающий в дорогих ресторанах и разъезжающий на мерседесе по Москве… Как все же далеки образы от людей. А люди от того, что они представляют.
Между тем, музыка прошлого, те лады, интонации и мироощущения были неформатны и действительно существовали в лишь глухих околотках — в которые краеведами и искусствоведами-энтузиастами периодически организовывались экспедиции для сбора фольклорного урожая.
Коля мне как то тоже говорил, что настоящая древняя русская песня — плавная, распевная и длинная. И она больше печальная чем радостная. Это всегда маленькая картина или история с подтекстом. Частушки и плясовые пришли от тюркских и финно-угорских народностей.
…Возвращаюсь к теме. Не знаю как, каким образом влияет музыка на человека ее исполняющую, но думаю если оно как-то связано с «духом» того что она представляет, то наступает обратная связь — человек меняется благодаря обратной энергетике, той что он ощущает. Энергетика древней русской музыки какая угодно, но только не отрицательная. И те эмоции, что она вызывает у исполнителя сродни медитативному процессу. Очевидно это тоже верно и для слушателя.
Композиция «Туман» совместно с пианистом Сергеем Филатовым. Старостин играет на жалейке и, затем, поет. Я, к своему стыду, не знал практически ничего о русской жалейке — в том числе о том на что способен этот незамысловатый инструмент. До сих пор я думал что на подобные звуковые вибрации может быть только способна лишь шотландская волынка. Но жалейка в руках Сергея Старостина становится магической, а звук просто завораживает. Прелюдия созданная им предваряет пение — плавное, старинное, с синкопами и придыханием, с необыкновенной древней психоделикой. Так рождается старый мир. Девушки в венках водят хороводы. Солнце садится. Мать укачивает ребенка в люльке под треск хвороста в печи…А в лесу бродит леший.
Как я сказал выше, болезнь фолка в том, что иногда люди изначально играющие и поющее в этом жанре, видимо, преследуя какие-то коммерческие цели - начинают все более и более уходить от жанра в сторону поп музыки и электронных аранжировок с целью сделать фолк-музыку более «форматной» = слушаемой и покупаемой. В концепции такой идеи нет ничего плохого — пусть уж так, в адаптированном виде люди будут приобщаться к муз. наследию своих предков. Но дело в том, что очень часто не электронная или поп-музыка, а наоборот фолк подстраивается под концепции первых — и тогда ничего кроме разочарования и ощущения очередного музыкального китча такие проекты не вызывают.
Но есть и другое путь — фьюжн, смешения жанра с другими вне-мэйнстримными стилями. Например с джазом, классикой, авангардом. Или с другим фолком в основе которого другие обертона, лады и гармоники. И вот тогда это становится очень интересно. Как пример — видеоклип выше. В числе подобных проектов Старостина - совместные работы с Аркадием Шилклопером (труба) и Михаилом Альпериным ( пианино) в 90-х в этно-джазовой группе «Moscow Art Trio», Инной Желанной, сестрами Краснопевцевыми и другими.
Вот еще одно замечательное исполнение Сергея. Песня «Сашенька» с альбома «Жили-Были» совместно с С.Клевенским, сетрами Краснопевцевыми и молдавским музыкантом Марио.
В заключении, несколько фактов. В 1999-м Старостин произвел необыкновенно сильное впечатление на фестивале искусств в Эдинбурге. Там он включился в международный проект с болгарками ( женский хор) и, как результат, был записан альбом Journey. В 2003-м Сергей вошел в топ номинантов ВВС World Music Award – очень престижной премии мировой этнической музыки и был удостоен самых высоких отзывов. Работы собственные и совместные проекты Старостина издают известные лейблы звукозаписи, например World Music Питера Габриэля.
Продолжу рассказ о русской народной музыке. Наш путь на юг России.
С 17 до начала 20-го века обширные территории к югу от Волги были заселены людьми с особой субкультурой, типом характера и менталитета. В России и во всем мире они известны под названием «казаки».
Поскольку мой блог о фолке субъективный, позволю себе одну субъективную ремарку. Она вот о чём. Среди множества современных ансамблей, групп и исполнителей играющих казачью музыку неискушенный слушатель часто можно не разобраться и принять за таковую псевдо-казачью. То есть ту, которая слишком явно направлена на развлекательный эффект, слишком отличается от традиционной (старинной) манеры исполнения, слишком сильно разнится в манере себя держать на сцене, слишком пестрит китчем: яркой бутафорией в одежде или облике исполнителя и, наконец, репертуар которой вроде « мы вдвоем с конем по полю идем» или «только шашка казаку в степи подруга» совершенно не соответствует ни лексикону, ни смыслу, ни идее старинных казачьих песен. Но, увы, часто именно это принимается за истинную монету. И когда на фоне всего этого видишь неяркие, нераспиаренные и «неряженные» коллективы, но со всей той исторической и духовной составляющей — испытываешь необыкновенную радость что нашел правдивую, прекрасную и талантливую музыку. Таких коллективов и исполнителей казачьих песен можно перечесть по пальцам. Но это действительно жемчужины русской народной музыки.
С одним из них я хотел бы познакомить читателей.
Ансамбль казачьей песни «Братина» я открыл для себя лет 6 лет назад. С тех пор не пропускаю ни одного его альбома. Коллектив удивительно правдив, искренен и делает то, что считает нужным, а не то что, что диктует рынок. Первый альбом «Братины» который я услышал был « Вдоль по линии Кавказа» 2003-го - он, кстати, был первым их СD. Это песни терских казаков 19-го века. Удивительное исполнение.
"Ой, да не из тучушки" (Гимн терских казаков)
«Офицерик» (шуточная) с этого же альбома
Об истории ансамбля несколько цитат:
«Образован в июне 1996 года. Руководитель коллектива - профессиональный музыкант-фольклорист Юрий Чирков. “Братина” - коллектив “некоммерческий”, ориентированный на этнографический казачий фольклор, в особенности - на терскую и гребенскую традиции пения. Состав: Захаров Константин, Мельников Евгений, Маточкин Александр, Сергеенко Антон, Тарарико Юрий, Харламов Борис, Щемель Евгений, Чернышов Сергей, Чирков Юрий. А так же при участии: Артёма Каширина, Игоря Петрова, Тимофея Петрова (бубен, барабанка).»
"Шамиль", Братина
Теперь поговорим о самом вольном народе России. И самом неунывающем. Бок о бок живущим с русскими, и оказав влияние и на русскую музыку, и на культуру — как и взяв немало для себя в свою очередь, сумевший на протяжении веков сохранить свою самобытность.
Николай Лекарев - артист театра «Ромэн», автор и исполнитель цыганских песен.
Лекарев обладает сильным и драматическим голосом. Причем поет именно в традиции цыганского пения — так как пел Сличенко, с модуляциями и тембральными перепадами. Особенно удаются Николаю длинные распевные цыганские «баллады», исполнение которых оставляет сильное впечатление. Но и веселые зажигательные «цыганочки» также удаются на славу. Глядя на цыганских артистов и вспоминая отечественную историю, невольно всплывают перед глазами и пароходы купцов идущих по Волге с которых разносилось цыганское пение, и гульба гусар, и дворянская хандра в осенний пасмурный день сопровождаемая гитарными переборами цыгана с надрывным голосом, и литературные истории о жгучей любви русского и цыганки и драме вокруг этого…
Цыганское шоу «Монисто» в Польше, 2010, где Лекарев и другие артисты собрали огромное множество народа.
Заканчиваю свое музыкальное путешествие по достопамятным явлениям современной этической музыки России. Пора делать финальный аккорд. И этот аккорд будет громким. Так как сейчас речь пойдет об этническом коллективе с мировым именем, более чем кто-либо за всю историю отечественной этнической музыки сумевшим добиться признания. У которого огромная армия поклонников от Америки до Новой Зеландии, множество международных призов и премий и десятки успешных туров едва ли не по всему миру.
Знакомьтесь, Huun-Huur-Tu/ Хуун-Хуур-Ту. Республика Тува (Тыва), Россия.
Хуун Хуур Ту ( в переводе с тувинского «расщепление солнечного света») был основан в 1992 году Кайгал-оол Ховалыгом, братьями Александром и Саян Бапа и Альбертом Кувезиным. Группа исполняла традиционную тувинскую народную музыку используя старинные инструменты - игиль, хомус, дошпулуур, тунгур и др. Но главное — это конечно же неповторимое горловое пение «хоомей».
Горловое пение довльно сильно отличается от традиционного. Во-первых, задействованы иные части голосовых связок, нежели в традиционном. Во- вторых, совершенно иной тембр. В-третьих, иной звук…вернее, звуки, т.к. исполнитель горлового пения способен с помощью особой техники издавать 2 звука ( и говорят даже 3!) вместо одного в традиционном, что звучит совершенно неправдоподобно до того времени как ты собственными ушами не услышишь и поверишь, что все это так. Наконец, само обучение исскуству горлового пения совершенно иное, чем при обучении обычному.
Есть версия, что горловое пение возникло очень давно, когда скотоводам нужно было передавать информацию друг другу на большое расстояние. И благодаря тембру и двухголосию она была более ёмкая нежели обычная вроде крика или возгласа. Другая версия такова, что хоомей — видоизмененный на национальный манер буддийские молитвенные каноны, которые стали профаническими (светскими) и на которые как на лекало было положено свое содержание. Так это или нет, но то, что для горлового пения — назад, к первой версии - нужны крепкие легкие и сильные голосовые связки, это факт. А то, что оно несёт помимо собственно музыки некий медитативный, сакральный смысл — тоже факт. Сам я никогда не слышал подобной музыки вживую, но по рассказу одного приятеля с Альбиона, который подсел на Хуун-Хуур-Ту - после концерта: " сначала ты ничего не понимаешь, потом начинаешь прислушиваться, потом чувствуешь что вибрации проникают в тебя, затем наступает транс и тебя просто прёт…"
Вот еще несколько собственных наблюдений.Тувинская нация очень близка к моногольской. А язык настолько родственный, что монгол и тывинец могут объяснятся и хорошо понимать друг друга.Однако, отношения тывинцев и монголов на протяжении истории, несмотря на общность культур и языка, были далеки от идеальных. И когда, например, кто-то говорит слушая тывинское пение: " ах, какая интересная монгольская музыка!" для тувинца нет большего окорбления. "Мы тывинцы, не монголы! " - тут же с обидой говорят они.
Вот отрывок из интервью с руководителем группы Саяном Бапа (источник: www.66.ru 02/04/2012) :
«— Как рождается тувинское горловое пение?
— Так же, как речь: у вас, допустим, поставленная речь, вы же где-то учились этому. И мы точно так же, нам ставила жизнь. Это такая музыкальная культура, она не нотировалась в буквальном смысле веками, она передавалась из уст в уста. Вас же никто ее не учил буквально говорить: «а, б, м, мама, папа…». Вы слышали, повторяли, осознавали эти слова. Так мы слышим, повторяем, осознаем эти звуки, эти эмоции через слова, а потом уже это свое личное самовыражение. У каждого есть собственная структура тела, души, всего. И эта собственная структура должна как-то вибрировать, и поэтому в горловом пении все индивидуалисты в этом смысле. Тут нет деления, как в обычной музыке: тенор, бас, сопрано. Тут весь спектр, без категорий резких. У каждого из нас есть очарование в голосе, у каждого есть прерогатива, у каждого есть особый нравящийся стиль. У него внутри он как-то вибрирует, он его больше чувствует, уважает и отдает этому голосу больше времени.
— В этно-музыке всегда существует какая-то определенная магия. Вот даже вы в своем творчестве используете шаманские инструменты, тот же самый шаманский барабан. Насколько важна для вас магия?
— Музыка — это изначально магия сама по себе. Музыканты — первая категория магов. Сам барабан — он уже исток шаманизма. Ударные все произошли из шаманской магии, из магии ощущения ритма, из магии ритма сердца, из магии всего — ты сам состоишь из магических вибраций. Как ты их выразишь и сможешь ли ты окутать этой магией кого-то рядом и будешь ли ты сам убедителен в этой магии? Если ты будешь убедителен, то любой инструмент магичен, любой голос магичен, все превратится в магию вокруг.
– Были ли в вашей жизни случаи, когда вас приглашали на какой-нибудь шаманский или религиозный ритуал в качестве музыкального сопровождения?
— Нет. Мы просто могли бы сами шаманить, но не видим в этом нужды. Еще давно, на заре наших концертов один наш тувинский музыкант просто показывал какие-то кусочки шаманства с бубном. Но это было давно. А так мы сторонимся этого, мы не хотим мешать музыку и колдовство и делать из себя каких-то шаманов, хотя говорят, наша музыка лечит. Есть традиционная музыка, которую ты слышишь ежедневно. Идет человек в поле, пасет он яков, верблюдов, он для них поет. Где тут шаманство? Шаманство, мне кажется, надо воспринимать через отношение к жизни. Каждый сам по себе уже шаман, этот пастух, он тоже шаман, он обладает животными, все, ему больше ничего не надо. А вечером пришел, спел жене, детям спел, рассказал сказку — это уже традиционная музыка. Мы показываем как раз традиционную музыку на традиционных инструментах, связананную с природой, с отношением к ней.»
Музыкальное путешествие подошло к концу. До новых встреч.
Говоря о народной музыке - тем кто это делает невозможно быть объективным в выборе и пристрастиях просто потому, что критерий «этнического» теперь, увы, все более становится размыт, а направление становится все более коммерциализировано — «этника» все более уходит в мэйстрим и, таким образом, идёт на поводу у слушателей не слишком разбирающихся в жанрах, а по идее должно быть наоборот… Хотя, правды ради, заметим, что это теперь беда многих музыкальных стилей и направлений. Вот и мои оценки этнического и выбор примеров - чистая вкусовщина, которая совершенно не претендует на объективность.
Итак. Начну свой обзор из глубины веков. Вернее, от коллектива который исполняет музыку языческой Руси. Коллектив называется «Веданъ Колодъ». Группа была основана в 2006 году в Красноярске. И состоит из молодых людей увлеченных древней славянской музыкой.
Репертуар — песни о языческих богах, народе, природе, нечисти и т.д. Есть что-то шаманское, или точнее, волховское в их песнях. Несмотря на то, что музыка которую они играют лишь стилизация древней музыки, т.к. отчетливо прослушиваются и лады и тональности которые в то ( древнее) время были иными — это достаточно неплохая стилизация. Помимо в репертуаре есть песни народов Севера.
Костяк группы — трое музыкантов: Татьяна и Валерий Нарышкин и Дарья Антипова. Помимо того, что музыка ими исполняемая звучит на забытом старо-славянском, отрадно и то что музыканты используют древние инструменты: скифский рог, жалейка, барабаны и др. И что примечательно, Валерий Нарышкин делает их сам зная древние способы их изготовления. И судя по тому, что звучат эти инструменты очень неплохо, он преуспел в этом.
«Веснянка», альбом «Танец Леших»
Несмотря на свою молодость группа «Веданъ Колодъ» уже успела снискать благожелательные отзывы и простых любителей фолка, и музыкальных критиков. Коллектив участвовал во многих этнических фестивалях в России и за её пределами. На сегодняшний день у Ведана издано 4 CD альбома.
Теперь об одном удивительном инструменте. Гусли — старинный русский струнный щипковый музыкальный инструмент. Гусли, однако, не уникальны по своему происхождению…вернее, они не обязаны уникальностью Руси, это ясно. Так как у многих народов были похожие инструменты. Но почему именно гусли традиционно ассоциируются в сознании с русской седой стариной, непонятно. Очевидно, ответы нужно искать в устном творчестве — былинах и сказах ( не путать со «сказками»), которые традиционно излагались под музыкальное сопровождение гуслей.
В самом деле, истории положенные на такие тембры (их частотный диапазон) — великолепно запоминаются. Это заметили еще древние греки, которые положили начало «сказительства» приметив факт, что под кифару и арфу долгие истории отменно запоминаются и, в добавок, у слушателя благодаря музыкальной окраске создаются красочные образы, живые картины, которые надолго оседают в памяти. За тысячу лет до изобретения радио, «театр у микрофона» уже существовал…
Васнецов, "Гусляры"
Самый древний сказитель, «гомер» древних русичей — легендарный Боян, упоминаемый в «Слово о полку Игореве». Что это была за личность никому не известно. Но судя по благоговению автора «Слова» перед этим человеком, это была личность почти что сакральная, близкая к Орфею, если проводить опять аналоги с греками.
Памятник Бояну в Трубчевске
Возвращаясь в наше время и продолжая разговор о гуслях, радует что искусство игры на них не забыто. И даже в наше время существует немало музыкантов-энтузиастов это практикующих. При всем уважении к остальным, мне бы хотелось выделить,на мой взгляд, самого искусного из них, Егора Стрельникова.
Егор - уникальный музыкант. Мало того, что он настоящий виртуоз и владеет игрой на гуслях в совершенстве, он еще и отличный композитор и импровизатор. Егор родился в Запорожье, Зап. Украина. Гуслями и искусством игры на них увлекся давно — так же, как вообще проникся большой любовью к древней русской культуре через музыку.
Музыка Руси всегда была очень тесно связана с религией. До христианства это был языческий пантеон богов, древние стихии, силы природы которые неизменно присутствовали в текстах песен. После принятия христианства часть музыки светской все равно осталась связана с религией. Так было всегда: люди проецировали свои проблемы на свои идеалы. В литературе, живописи. И в том числе в музыке. Жанр «христианской исповедальной лирики» возник в 17-м веке. В чем был смысл таких произведений. Он в том, что человек посредством слова или звука говорит прежде всего с собой… и в то же время с тем что выше его, лучше его, и совершеннее его — то что он не может выразить, но он это чувствует это присутствие. И когда такой диалог получается, то он называется «молитва». Цель его в том, чтобы добиться мира в себе, как писал Лермонтов:
С души как бремя скатится,
Сомненье далеко —
И верится, и плачется,
И так легко, легко…
Евгения Смольянинова сама сочиняет стихи к своим песням, иногда стилизуя их под старо-русский слог. Но получается это очень искренне, проникновенно и по-детски трогательно.
«Воскрешение Лазаря» с альбома «Молитва», 1997.
Идем дальше. Садимся в машину времени. Раз, два, три… Степь, закат. Осень, уже прохладно. Небо серое. Мы стоим на холме. С холма открывается вид на равнину. На равнине мы видим множество людей, лошадей и повозок. Люди вооружены. Но это не солдаты. На них армяки, кафтаны. Это русские. Кое-где мелькают всадники одетые в халаты и меховые шапки. Это башкиры. Путь людей долгий, на север. Неожиданно кто-то затягивает песню. И вот через мгновение уже тысячи людей подхватывают её, и степь наполняется протяжным гулом…а из-за туч начинает пробивать солнце. Первые слова песни нам отчетливо слышны. Из чего мы делаем вывод, что мы очутились в 18-м веке где-то под Оренбургом. Это восстание Пугачёва, а мы являемся его свидетелями перемещения его армии…
Песня «Нас пугали Пугачём» была записана замечательным этнографом и искусствоведом Львом Христиансеном в 1956 г. в Курганской области. Эта песня, по всей видимости, современница пугачевского восстания. Но, может быть, была сложена позже. Однако смысл и интонации о пугачевском восстании, бунтарском духе народа того времени очень хорошо иллюстрирован в ней.
«Нас пугали Пугачом, да,
Он кормил нас калачом,
Государь нас бил с плеча, да,
Пугач дал нам калача
Пугача мы испугались
И ко церкви собирались,
И ко церкви собиралися,
Мы иконам поклонялись
И кресты мы целовали,
И кресты мы целовали, да.
Но пришёл Емелюшка,
Пришла его неделюшка,
Пришла его неделюшка…»
…да, вот такой он, русский бунт.
Ансамбль этнической музыки «Русичи» был основан в 1980 году Виталием Галицким ( на клипе он с бородой) и включает еще двух музыкантов — Андрея Сенина и Валентина Жигалина.
Началось это, судя по всему, с коллекционирования древних русских инструментов. На которых затем начали исполнять музыку. Коллекция «Русичей» большая и уникальная. Там,например, есть там артефакты начиная (!) c XI-го и далее до XIX века. Однако, конечно же, те инструменты на которых играют они — это реконструкция. И реконструкция очень талантливая.
Расскажу о некоторых русских народных инструментах.
Владимирский рожок. Изготавливался из бересты на Руси с незапамятных времен и в разных местах, но, судя по названию, получил известность благодаря ассоциации с княжеством Владимирским.
Гудок - тоже старинное музыкальное изобретение. Казалось бы само слово «гудок» говорит что он духовой. Но нет, это струнный инструмент. Состоит из 3-х струн. И на нём играют смычком. И хотя гудок считается русским инструментом, я подозреваю, что он все же был «импортирован» от южных соседей с Балкан или из Зап. Европы.
А дудки-пыжатки обязаны своему происхождению Курской волости.
А так делается знаменитая жалейка. Отрывки из фильма «Прощание с Меховым» снятого по заказу ZDF в 2000-м году на Витебщине.
Снова включу машину времени и перемещу читателя этого рассказа в наши дни, ибо подхожу к кульминации рассказа. Речь пойдет о замечательном человеке, который вот уже много лет вызывает у меня глубокой уважение. Его зовут Сергей Старостин. И это большой подвижник русской музыки.
И действительно, все что он делал и делает не может не восхищать. Великолепный музыкант, исполнитель, композитор и аранжировщик, этнограф и музыковед. Но, самое главное, Старостин - энтузиаст, горячий пропагандист исконной русской музыки.
Позволю себе отступление от темы. Мне повезло в жизни с интересными людьми, один из них был Коля - этнограф, умный и талантливый ученый. И просто хороший человек. Не так давно его не стало… Как-то раз он сказал мне фразу, на которую я поначалу совершенно не обратил внимания. Но теперь спустя годы вспоминаю её постоянно. Он сказал примерно следующее: « Ты знаешь, мы часто говорим о «русской» культуре. Слышим «русскую» музыку. Там и сям говорим: «вот это по русски!». Даже «любить по русски» можно, оказывается… Но дело в том, что та русская культура почти умерла. Её нет. На её место пришла культура «русского народного комикса» которая сформировалась в начале 20 века в российских городах под действием промышленной революции. Советская власть и коллективизация ускорила этот процесс. Древний человек с его психологией умер до 20 века …или существует в редких видах на грани исчезновения. Зыкина или Кадышева — они поют по русски, но это мутант исконной народной культуры. И дело даже не в музыкальной форме или стиле. Исконная народная песня исчезла к началу 20 века и если сохранилась, лишь в глухих деревушках. А всё после — фарс.»
Вспоминая его слова, неожиданно на ум мне пришли строки Есенина, который называл себя «последним поэтом деревни» ( Клюев, вот, не бил себя в грудь но в действительности как раз и был оным)…при этом Есенин как человек в жизни был совсем другим, нежели тот в кого он играл посредством пера и бумаги. Спасский вспоминает крестьянского поэта: «Одет он был с тем щегольством, какое было присуще ему в имажинистский период. Широкая, свободно сшитая тёмная блуза, что-то среднее между пиджаком и смокингом. Белая рубашка с галстуком-бабочкой, лакированные туфли». А Городецкий говорит о том, как Есенин стал заложником своей собственной ролевой игры: «Он терпеть не мог, когда его называли пастушком Лелем, когда делали из него исключительно крестьянского поэта. Отлично помню его бешенство, с которым он говорил мне в 1921 году о подобной трактовке его. Он хотел быть европейцем….При этом Есенин писал душа-на-распашку русские стихи-исповеди – кстати, по моему мнению достаточно заурядные стихи, которые за отсутствием смысла и красоты слога компенсировались эпатажностью, китчем и образом сельского вольтерьянца…- и то был тот же искусный фарс ровно теперяшний от ВиаГры, на которую смотрят больше чем слушают…И вот, уже после после того как образ сделает свою черную работу, включаются уши и дополняют картину. Дополняют, но не основывают. И этот «комикс русской культуры» (ибо комикс —дайджест, клише и стереотип) конечно же был более понятен сознанию уже не зацикленному на небо, а орифмованному левыми маршами Маяковского и плакатами Родченко. Старый идеализм был подмят под лекала, которые задолго до американской массовой культуры отливали формы с шрих-кодом опознавания «формат/неформат». Но, господа. Наследие прошлого оказалось так великолепно и неформатно, что нужно было постараться сделать из него продукт годный одинаково для и интуристов осматривающих Суздаль и граждан СССР интересующихся дореволюционным прошлым самовольно без методологии классиков марксизма. Думаю, так возникли мемы «загадочная русская душа» и наипошлейший вопрос «что вы думаете о русских женщинах?», и лубочная «хохлома» как атрибут престижа в квартирах, и иконы в золотых окладах как атрибут состоятельности и фальшивого диссидентства , и танцующие в интуристе артистки варьете в купальниках под «Красный Сарафан» Джеймса Ласта с тонной макияжа на лице. Так возникла клиппированная гусарно-самоварная Раша, о которой пел Токарев. По ту сторону царила другая игра образов. Например, Высоцкий. «Эх раз, еще раз, еще много-много…» Много образов, игр. «И ни церковь ни кабак, ничего не свято». Свой в доску парень с брутальной внешностью правдоруба, русского Гамлета и Глеба Жеглова как проекция пугачевщины…в жизни реально балующийся героином богемный персонаж, любящий шик, одевавшийся с иголочки, кушающий в дорогих ресторанах и разъезжающий на мерседесе по Москве… Как все же далеки образы от людей. А люди от того, что они представляют.
Между тем, музыка прошлого, те лады, интонации и мироощущения были неформатны и действительно существовали в лишь глухих околотках — в которые краеведами и искусствоведами-энтузиастами периодически организовывались экспедиции для сбора фольклорного урожая.
Коля мне как то тоже говорил, что настоящая древняя русская песня — плавная, распевная и длинная. И она больше печальная чем радостная. Это всегда маленькая картина или история с подтекстом. Частушки и плясовые пришли от тюркских и финно-угорских народностей.
…Возвращаюсь к теме. Не знаю как, каким образом влияет музыка на человека ее исполняющую, но думаю если оно как-то связано с «духом» того что она представляет, то наступает обратная связь — человек меняется благодаря обратной энергетике, той что он ощущает. Энергетика древней русской музыки какая угодно, но только не отрицательная. И те эмоции, что она вызывает у исполнителя сродни медитативному процессу. Очевидно это тоже верно и для слушателя.
Композиция «Туман» совместно с пианистом Сергеем Филатовым. Старостин играет на жалейке и, затем, поет. Я, к своему стыду, не знал практически ничего о русской жалейке — в том числе о том на что способен этот незамысловатый инструмент. До сих пор я думал что на подобные звуковые вибрации может быть только способна лишь шотландская волынка. Но жалейка в руках Сергея Старостина становится магической, а звук просто завораживает. Прелюдия созданная им предваряет пение — плавное, старинное, с синкопами и придыханием, с необыкновенной древней психоделикой. Так рождается старый мир. Девушки в венках водят хороводы. Солнце садится. Мать укачивает ребенка в люльке под треск хвороста в печи…А в лесу бродит леший.
Как я сказал выше, болезнь фолка в том, что иногда люди изначально играющие и поющее в этом жанре, видимо, преследуя какие-то коммерческие цели - начинают все более и более уходить от жанра в сторону поп музыки и электронных аранжировок с целью сделать фолк-музыку более «форматной» = слушаемой и покупаемой. В концепции такой идеи нет ничего плохого — пусть уж так, в адаптированном виде люди будут приобщаться к муз. наследию своих предков. Но дело в том, что очень часто не электронная или поп-музыка, а наоборот фолк подстраивается под концепции первых — и тогда ничего кроме разочарования и ощущения очередного музыкального китча такие проекты не вызывают.
Но есть и другое путь — фьюжн, смешения жанра с другими вне-мэйнстримными стилями. Например с джазом, классикой, авангардом. Или с другим фолком в основе которого другие обертона, лады и гармоники. И вот тогда это становится очень интересно. Как пример — видеоклип выше. В числе подобных проектов Старостина - совместные работы с Аркадием Шилклопером (труба) и Михаилом Альпериным ( пианино) в 90-х в этно-джазовой группе «Moscow Art Trio», Инной Желанной, сестрами Краснопевцевыми и другими.
Вот еще одно замечательное исполнение Сергея. Песня «Сашенька» с альбома «Жили-Были» совместно с С.Клевенским, сетрами Краснопевцевыми и молдавским музыкантом Марио.
В заключении, несколько фактов. В 1999-м Старостин произвел необыкновенно сильное впечатление на фестивале искусств в Эдинбурге. Там он включился в международный проект с болгарками ( женский хор) и, как результат, был записан альбом Journey. В 2003-м Сергей вошел в топ номинантов ВВС World Music Award – очень престижной премии мировой этнической музыки и был удостоен самых высоких отзывов. Работы собственные и совместные проекты Старостина издают известные лейблы звукозаписи, например World Music Питера Габриэля.
Продолжу рассказ о русской народной музыке. Наш путь на юг России.
С 17 до начала 20-го века обширные территории к югу от Волги были заселены людьми с особой субкультурой, типом характера и менталитета. В России и во всем мире они известны под названием «казаки».
Поскольку мой блог о фолке субъективный, позволю себе одну субъективную ремарку. Она вот о чём. Среди множества современных ансамблей, групп и исполнителей играющих казачью музыку неискушенный слушатель часто можно не разобраться и принять за таковую псевдо-казачью. То есть ту, которая слишком явно направлена на развлекательный эффект, слишком отличается от традиционной (старинной) манеры исполнения, слишком сильно разнится в манере себя держать на сцене, слишком пестрит китчем: яркой бутафорией в одежде или облике исполнителя и, наконец, репертуар которой вроде « мы вдвоем с конем по полю идем» или «только шашка казаку в степи подруга» совершенно не соответствует ни лексикону, ни смыслу, ни идее старинных казачьих песен. Но, увы, часто именно это принимается за истинную монету. И когда на фоне всего этого видишь неяркие, нераспиаренные и «неряженные» коллективы, но со всей той исторической и духовной составляющей — испытываешь необыкновенную радость что нашел правдивую, прекрасную и талантливую музыку. Таких коллективов и исполнителей казачьих песен можно перечесть по пальцам. Но это действительно жемчужины русской народной музыки.
С одним из них я хотел бы познакомить читателей.
Ансамбль казачьей песни «Братина» я открыл для себя лет 6 лет назад. С тех пор не пропускаю ни одного его альбома. Коллектив удивительно правдив, искренен и делает то, что считает нужным, а не то что, что диктует рынок. Первый альбом «Братины» который я услышал был « Вдоль по линии Кавказа» 2003-го - он, кстати, был первым их СD. Это песни терских казаков 19-го века. Удивительное исполнение.
"Ой, да не из тучушки" (Гимн терских казаков)
«Офицерик» (шуточная) с этого же альбома
Об истории ансамбля несколько цитат:
«Образован в июне 1996 года. Руководитель коллектива - профессиональный музыкант-фольклорист Юрий Чирков. “Братина” - коллектив “некоммерческий”, ориентированный на этнографический казачий фольклор, в особенности - на терскую и гребенскую традиции пения. Состав: Захаров Константин, Мельников Евгений, Маточкин Александр, Сергеенко Антон, Тарарико Юрий, Харламов Борис, Щемель Евгений, Чернышов Сергей, Чирков Юрий. А так же при участии: Артёма Каширина, Игоря Петрова, Тимофея Петрова (бубен, барабанка).»
"Шамиль", Братина
Теперь поговорим о самом вольном народе России. И самом неунывающем. Бок о бок живущим с русскими, и оказав влияние и на русскую музыку, и на культуру — как и взяв немало для себя в свою очередь, сумевший на протяжении веков сохранить свою самобытность.
Николай Лекарев - артист театра «Ромэн», автор и исполнитель цыганских песен.
Лекарев обладает сильным и драматическим голосом. Причем поет именно в традиции цыганского пения — так как пел Сличенко, с модуляциями и тембральными перепадами. Особенно удаются Николаю длинные распевные цыганские «баллады», исполнение которых оставляет сильное впечатление. Но и веселые зажигательные «цыганочки» также удаются на славу. Глядя на цыганских артистов и вспоминая отечественную историю, невольно всплывают перед глазами и пароходы купцов идущих по Волге с которых разносилось цыганское пение, и гульба гусар, и дворянская хандра в осенний пасмурный день сопровождаемая гитарными переборами цыгана с надрывным голосом, и литературные истории о жгучей любви русского и цыганки и драме вокруг этого…
Цыганское шоу «Монисто» в Польше, 2010, где Лекарев и другие артисты собрали огромное множество народа.
Заканчиваю свое музыкальное путешествие по достопамятным явлениям современной этической музыки России. Пора делать финальный аккорд. И этот аккорд будет громким. Так как сейчас речь пойдет об этническом коллективе с мировым именем, более чем кто-либо за всю историю отечественной этнической музыки сумевшим добиться признания. У которого огромная армия поклонников от Америки до Новой Зеландии, множество международных призов и премий и десятки успешных туров едва ли не по всему миру.
Знакомьтесь, Huun-Huur-Tu/ Хуун-Хуур-Ту. Республика Тува (Тыва), Россия.
Хуун Хуур Ту ( в переводе с тувинского «расщепление солнечного света») был основан в 1992 году Кайгал-оол Ховалыгом, братьями Александром и Саян Бапа и Альбертом Кувезиным. Группа исполняла традиционную тувинскую народную музыку используя старинные инструменты - игиль, хомус, дошпулуур, тунгур и др. Но главное — это конечно же неповторимое горловое пение «хоомей».
Горловое пение довльно сильно отличается от традиционного. Во-первых, задействованы иные части голосовых связок, нежели в традиционном. Во- вторых, совершенно иной тембр. В-третьих, иной звук…вернее, звуки, т.к. исполнитель горлового пения способен с помощью особой техники издавать 2 звука ( и говорят даже 3!) вместо одного в традиционном, что звучит совершенно неправдоподобно до того времени как ты собственными ушами не услышишь и поверишь, что все это так. Наконец, само обучение исскуству горлового пения совершенно иное, чем при обучении обычному.
Есть версия, что горловое пение возникло очень давно, когда скотоводам нужно было передавать информацию друг другу на большое расстояние. И благодаря тембру и двухголосию она была более ёмкая нежели обычная вроде крика или возгласа. Другая версия такова, что хоомей — видоизмененный на национальный манер буддийские молитвенные каноны, которые стали профаническими (светскими) и на которые как на лекало было положено свое содержание. Так это или нет, но то, что для горлового пения — назад, к первой версии - нужны крепкие легкие и сильные голосовые связки, это факт. А то, что оно несёт помимо собственно музыки некий медитативный, сакральный смысл — тоже факт. Сам я никогда не слышал подобной музыки вживую, но по рассказу одного приятеля с Альбиона, который подсел на Хуун-Хуур-Ту - после концерта: " сначала ты ничего не понимаешь, потом начинаешь прислушиваться, потом чувствуешь что вибрации проникают в тебя, затем наступает транс и тебя просто прёт…"
Вот еще несколько собственных наблюдений.Тувинская нация очень близка к моногольской. А язык настолько родственный, что монгол и тывинец могут объяснятся и хорошо понимать друг друга.Однако, отношения тывинцев и монголов на протяжении истории, несмотря на общность культур и языка, были далеки от идеальных. И когда, например, кто-то говорит слушая тывинское пение: " ах, какая интересная монгольская музыка!" для тувинца нет большего окорбления. "Мы тывинцы, не монголы! " - тут же с обидой говорят они.
Вот отрывок из интервью с руководителем группы Саяном Бапа (источник: www.66.ru 02/04/2012) :
«— Как рождается тувинское горловое пение?
— Так же, как речь: у вас, допустим, поставленная речь, вы же где-то учились этому. И мы точно так же, нам ставила жизнь. Это такая музыкальная культура, она не нотировалась в буквальном смысле веками, она передавалась из уст в уста. Вас же никто ее не учил буквально говорить: «а, б, м, мама, папа…». Вы слышали, повторяли, осознавали эти слова. Так мы слышим, повторяем, осознаем эти звуки, эти эмоции через слова, а потом уже это свое личное самовыражение. У каждого есть собственная структура тела, души, всего. И эта собственная структура должна как-то вибрировать, и поэтому в горловом пении все индивидуалисты в этом смысле. Тут нет деления, как в обычной музыке: тенор, бас, сопрано. Тут весь спектр, без категорий резких. У каждого из нас есть очарование в голосе, у каждого есть прерогатива, у каждого есть особый нравящийся стиль. У него внутри он как-то вибрирует, он его больше чувствует, уважает и отдает этому голосу больше времени.
— В этно-музыке всегда существует какая-то определенная магия. Вот даже вы в своем творчестве используете шаманские инструменты, тот же самый шаманский барабан. Насколько важна для вас магия?
— Музыка — это изначально магия сама по себе. Музыканты — первая категория магов. Сам барабан — он уже исток шаманизма. Ударные все произошли из шаманской магии, из магии ощущения ритма, из магии ритма сердца, из магии всего — ты сам состоишь из магических вибраций. Как ты их выразишь и сможешь ли ты окутать этой магией кого-то рядом и будешь ли ты сам убедителен в этой магии? Если ты будешь убедителен, то любой инструмент магичен, любой голос магичен, все превратится в магию вокруг.
– Были ли в вашей жизни случаи, когда вас приглашали на какой-нибудь шаманский или религиозный ритуал в качестве музыкального сопровождения?
— Нет. Мы просто могли бы сами шаманить, но не видим в этом нужды. Еще давно, на заре наших концертов один наш тувинский музыкант просто показывал какие-то кусочки шаманства с бубном. Но это было давно. А так мы сторонимся этого, мы не хотим мешать музыку и колдовство и делать из себя каких-то шаманов, хотя говорят, наша музыка лечит. Есть традиционная музыка, которую ты слышишь ежедневно. Идет человек в поле, пасет он яков, верблюдов, он для них поет. Где тут шаманство? Шаманство, мне кажется, надо воспринимать через отношение к жизни. Каждый сам по себе уже шаман, этот пастух, он тоже шаман, он обладает животными, все, ему больше ничего не надо. А вечером пришел, спел жене, детям спел, рассказал сказку — это уже традиционная музыка. Мы показываем как раз традиционную музыку на традиционных инструментах, связананную с природой, с отношением к ней.»
Музыкальное путешествие подошло к концу. До новых встреч.
Начинаю цикл о народной музыке. И первое путешествие начну с Шотландии.
Ewan Maccoll/ Эван Макколл - один из моих любимых певцов, который по совместительству является одним патриархов шотландской народной музыки. Помимо собственно музыки, он остался в памяти как шотландский политический деятель, драматург, композитор и поэт.
У него удивительный вибрирующий голос, как если бы волынка умела разговаривать в более низком регистре, она была бы непременно похожа на этот голос.
Эван родился родился 25 января 1905 года в Сэлфорде ( пригороде Манчестера) в семье одной из многих шотландцев заполонивших город в поисках работы. В течении нескольких десятилетий своей жизни он перепробовал множество профессий, в числе которых была и работа уличным музыкантом. Макккол никогда не скрывал своих левых убеждений. В 20-е он стал активистом рабочего движения, вступил в Лигу Молодых Коммунистов и стал там широко известен благодаря своим стихам, памфлетам и песням. В 1931-м он организовал группу Red Megaphones/Красные Мегафоны агитационной направленности, а в 1932-м уже фигурировал с досье британской МI-5 как «коммунист радикальных взглядов, требующий особого внимания». А вот одна любопытная баллада Макколла, написанная в 30-е о Сталине.
http://mudcat.org/@displaysong.cfm?SongID=9800. Иосифа Сталина он называет 'Джо Сталин'. Забавно не правда ли? За этот же свой опус он сникал уничтожающую критику и в Британии и за ее пределами.
К середине 50-х Макколл был уже дважды женат и имел 2-х детей от второго брака, однако это не смогло его остановить когда в 1956-м он встретил американку Пегги Сигер, которая приехала в Британию, и которая была на 20 лет его моложе - и которая с этого времени и до конца жизни стала его любовью и верным спутником.
Пегги тоже музицировала, она неплохо играла на банджо и пела в американском стиле «блю грасс». С этого времени Эван + Пегги записали множество совместных песен.
C 60 по 80-е Макколл непременный участник антивоенных движений и протестных акций. Как и участник множества фестивалей народной музыки в Британии. Эван Макколл умер в 1989-м в возрасте 74-х лет. За годы жизни он стал автором огромного количества песен, стихов и нескольких спектаклей.
Ewan Maccol, "Jamie Raeburn's Farewell"
Музыкальный инструмент о котором пойдет речь имеет в шотландской народной музыке огромное значение. Этот инструмент стал символом и визитной карточнкой Шотландии - это great highland bagpipe, он же a' phìob mhòr , он же — большая шотландская горная волынка.
Когла она была создана в том виде как мы ее знаем сейчас не знает никто. Очевидно это где-то 17-й век. А ее предки были известны в Шотландии с 13-го века.
Большая шотландская горная волынка сделана из кожи (обычно козьей) и сшитой в виде бурдюка с прикрепленными к нему деревянными трубками:
- дронами, обычно 2-3, которые издают басовый + баритональный фоновый звук
- чантера, на которой собственно играется мелодия.
- блоу пайп, трубки через которую в кожаный мешок нагнетается воздух.
Трубки крепятся к мешку при помощи переходников или «стоков». Внутри же них самих помещаются так называемые трости/reeds, от которых зависит тембр звучания чантера + дронов.
Кроме этого волынка украшается кистями, наконечниками и чехлом, т.к. «ковром» для мешка в самом великом разнообразии дизайнов.
Изготовить хорошо звучащую волынку не так просто как кажется. Это зависит от опыта мастера и его умения передать инструменту часть себя, своей души. Звук качественно сделанной волынки не должен резать ухо, быть чистым, прозрачным, вместе с тем глубоким. А сами части из которых она изготовлена - надежны, хорошо подлажены и долговечны. Подобно тому как у мастеров итальянской скрипичной и виолончельной школы ( Гварнери, Стардивари и др.) были свои секреты благодаря которым их инструменты звучали несколько по иному, чем остальные - так и в Шотландии были мастера с вековыми традициями, которые передавали свои секреты из поколение в поколение, и их волынки звучали всегда несколько иначе чем многие другие. Стоимость волынки, сделанной, например, в таких известных мастерских как David Naill & Co или McCallum Blackwood может варьироваться от 600 -1500 фунтов/ 950- 2300 $. Однако есть мастера, которых вообще нет в каталогах и которые изготавливают штучные волынки для очень требовательных музыкантов - цена на такую волынку может быть в 1,5-2 раза выше приведенной. В принципе же вполне неплохо звучащую волынку можно купить в Британии за 400-500 фунтов.
Подобно тому как у автолюбителей, радиолюбителей, аудиофилов и других категорий людей имеющих хобби есть свои встречи — и виртуальные и реальные с общением по интересам — спорами, обсуждениями - так и у людей влюбленных в этот инструмент все это тоже присутствует. Например, дискуссии из какого материала лучше использовать трости. Или какие стоки самые лучшие. Или какое дерево, например, из Африки или Азии лучше дают звук для дрона или чантера. Или какой толщины и в какой последовательности кольца на трубках дают нужный акустический эффект. И так далее.
Слушать волынку даже на самой превосходной аппаратуре дело не то чтобы безнадежное, но как бы не совсем полноценное — ибо, по моему убеждению, запись ее игры не отразит сам звук в его полноте: его энергетику, глубину, тембральную окраску так, как если бы вы слушали это вживую. При записи именно волынки теряется частотно-амплитудная составляющая живого звука - он у ней иной нежели у других инструментов, его трудно адекватно передать на носителе. Так мне кажется. Если же говорить вообще об оркестре из волынщиков, это тем более трудно передаваемо. Энергетика которая идет от таких оркестров, состоящих из нескольких десятков волынщиков и барабанщиков, совершенно чудовищная. Гулкий низкий звук больших барабанов и очереди, чеканно выстреливаемые малыми барабанами как бы пронзающие воздух удивительным образом накладываются на трели волынок, сплетаются с ним, контрастируют, и создают удивительные вибрации. Ты чувствуешь что тебя наполняет энергия. Все выше описанное лишь мои ощущения, но, думаю, никакая другая музыка именно подобранная в таком сочетании инструментов + в такой частотной модуляции не может быть сравнима с шотландским оркестром волынщиков, если речь касается поднятия духа, прилива и моральных и физических сил.
Эдинбург, фестиваль искусств. Шествие оркестра волынщиков полка шотландских королевских драгун
Одни из самых лучших оркестров волынщиков, группа Spirit of Scotland. Весь ее состав — любители, люди совершенно разных профессий собирающихся чтобы играть на волынках и барабанах. Группа выступает на состязании оркестров волынщиков. Члены оркестра встают в круг в центре которого большой барабан — мягкий низкий звук, идущий от центра скозь кольцевой замкнутый контур из волынок и малых барабанов, как бы вдогонку как удаленный гром слушателю. Очень продуманно. Сзади стоит судья скрупулезно учитывающий как плюсы и так и минусы в исполнении. Критерий сыгранности и отличного исполнения — абсолютная синхронность волынщиков и барабанщиков, которые на каждый гармонический звуковой переход (шифт) и измение мелодической тональности ( рила) должны подобрать правильный ритм. Кроме этого учитывается бэк-полифония дронов и унисонность звучания чантеров.
Моя мечта научиться играть на волынке в настоящее время далекая и недостижимая, ибо думаю это вряд ли возможно в наших квартирах с их перегородками. А клубов волынщиков у нас очень мало. Дело в том, что шотландская горная волынка не может звучать тихо, это громкий лирический ( шучу) инструмент. Не говоря о том, это мужской инструмент, требующий хорошего объема легких. Как же можно его использовать в наших условиях? Например, так: утром когда ваша подруга или жена будет спать, следует тихо подойти к ее кровати, взять волынку и набрав полную грудь воздуха и, исполнить шотландский боевой гимн. У меня нет сомнений, что она это оценит и будет вам благодарна по гроб жизни вам именно за такой будильник.
Отправляемся в Глазго. Здесь есть одна удивительная группа кельтских язычников под названием Кланадония/Сlanadonia. Душа группы и ее мотор — Ту-Бард Уилсон (бородатый парень слева на снимке).
Все они — бывшие каскадеры исполнявшие трюки в фильмах. Попутно увлекались шотландской ритуальной музыкой. Наконец стали делать это профессионально, и вот пришел первый успех: несколько треков попали в фильм «Последний из могикан», затем в фильмы Мела Гибсона. Кланадония — непременный участник множества фестивалей кельтской музыки.
Другая шотландская группа, которая стала одним из моих фаворитов называется Оld Blind Dogs/Cтарые Слепые Псы . Название группы в честь одноименного кельтской мелодии.
Впервые я услышал группу в 90-х в одной из интернет-радиостанций игравших подобный репертуар. То была удивительно красивая старинная баллада Bogie's Bonny Bell. Об истории одной шотландской девушки. Я слышал ее и раньше, но Псы сделали это уж очень красиво. Послушайте сами. Вообще, шотландский английский в разговоре вовсе не испытание для коренного англичанина или иностранца. Если у тебя нет проблем с разговорным, нет и проблем и с общением. Незнакомые слова или местные диалекты никак этому не помешают.
A gaed in by Huntly Toun
Ae mornin for tae fee
A fell in wi Bogie o Cairnie
An wi him A did agree
For tae caa his twa best horses
Or cairt or harrow or plou
Or dae onything about fairm wark
A very weil cud do
Auld Bogie had a dochter
Wha's name wis Isabelle
She wis the lily o the valley
An the primrose o the dell
Whan she went out walkin
She'd tak me for her guide
Doun by the burn o Cairnie
Tae watch smaa fishes glide
Bit whan five lang months wis past an gane
This lassie lost her blume
The reid fell frae her rosie cheeks
An her eyes began tae swoon
An whan nine lang months wis past an gane
She brocht forth tae me a son
An A wis quickly caad for
Tae see whit cud be done
A said that A wad mairrie her
Bit, och, that wadnae dae
He said, "Ye're nae match for ma bonnie Belle
An she's nae match for ye"
Sae nou she's marriet tae a traiveller chiel
Wha bides in Huntly Toun
He sells pots an pans an paraffin lamps
An he tramps the kintra roun
An if she's gotten a better match
Auld Bogie cannae tell
Sae fare weil ye lauds o Huntlyside
An Bogie's bonnie Belle
С основания в начале 90-х состав группы мало изменился, его костяк это четверо:
Аарон Джонс (вокал, бузуки, бас гитара), Джонни Харди (скрипка, мандолина, гитара, вокал)
Фрэзер Стоун ( ударные) и Эли Хаттон ( волынка, флейта, гитара)
Еще одна композиция с альбома Gab O Mey, Lads O The Fair/ Парни на Ярмарке
Имя следующего исполнителя музыки может сказать очень много. Ибо имя его - Энди Макстюард, и он основатель и лидер шотландской группы Silly Wizard, гремевшей в Британии и Америке в 70-х как одна из самых ярких фолк-групп. Ее репертуар — старинные баллады + стилизованные под баллады песни с небольшим налетом психоделики.
Закончу свой рассказ о шотландской музыке, упомянув одну превосходную исполнительницу по имени Джулия Фаулис/Julie Fоwlis.
Впервые я увидел ее на видео на фестивале британского фолка в Скарборо. Чем она интересна. В первую очередь тем, что поет на шотландском ( шотландском диалекте гэльского), что в Британии большая редкость. Если в Ирландии на гэльском ( ирландском гэльском) говорят, и поют и даже снимают фильмы, есть телеканал - в Шотландии всего этого меньше не просто в разы, а в десяток раз. Джулия родилась в 1979-м году на одном из Гебридских островов в общине говорящей на гэльском. С детских лет она увлеклась народной музыкой. В 2004 она была удостоена звания открытия года на фестивале Scots Trad Music Awards. В 2006-м она выиграла приз BBC Radio 2 Folk Awards, а в 2008-м удостоилась звания фолк-исполнительницы года. Наконец, Джулия помимо вокала довольно неплохо играет на флейте и гитаре.
Заканчиваю музыкальное путешествие по Шотландии под песню еще одного шотландского исполнителя — Дуги Маклина/DougieMaclean и фотографии одного из самых талантливых шотландских фотографов-пейзажистов Яна Кэмерона.
Ewan Maccoll/ Эван Макколл - один из моих любимых певцов, который по совместительству является одним патриархов шотландской народной музыки. Помимо собственно музыки, он остался в памяти как шотландский политический деятель, драматург, композитор и поэт.
У него удивительный вибрирующий голос, как если бы волынка умела разговаривать в более низком регистре, она была бы непременно похожа на этот голос.
Эван родился родился 25 января 1905 года в Сэлфорде ( пригороде Манчестера) в семье одной из многих шотландцев заполонивших город в поисках работы. В течении нескольких десятилетий своей жизни он перепробовал множество профессий, в числе которых была и работа уличным музыкантом. Макккол никогда не скрывал своих левых убеждений. В 20-е он стал активистом рабочего движения, вступил в Лигу Молодых Коммунистов и стал там широко известен благодаря своим стихам, памфлетам и песням. В 1931-м он организовал группу Red Megaphones/Красные Мегафоны агитационной направленности, а в 1932-м уже фигурировал с досье британской МI-5 как «коммунист радикальных взглядов, требующий особого внимания». А вот одна любопытная баллада Макколла, написанная в 30-е о Сталине.
http://mudcat.org/@displaysong.cfm?SongID=9800. Иосифа Сталина он называет 'Джо Сталин'. Забавно не правда ли? За этот же свой опус он сникал уничтожающую критику и в Британии и за ее пределами.
К середине 50-х Макколл был уже дважды женат и имел 2-х детей от второго брака, однако это не смогло его остановить когда в 1956-м он встретил американку Пегги Сигер, которая приехала в Британию, и которая была на 20 лет его моложе - и которая с этого времени и до конца жизни стала его любовью и верным спутником.
Пегги тоже музицировала, она неплохо играла на банджо и пела в американском стиле «блю грасс». С этого времени Эван + Пегги записали множество совместных песен.
C 60 по 80-е Макколл непременный участник антивоенных движений и протестных акций. Как и участник множества фестивалей народной музыки в Британии. Эван Макколл умер в 1989-м в возрасте 74-х лет. За годы жизни он стал автором огромного количества песен, стихов и нескольких спектаклей.
Ewan Maccol, "Jamie Raeburn's Farewell"
Музыкальный инструмент о котором пойдет речь имеет в шотландской народной музыке огромное значение. Этот инструмент стал символом и визитной карточнкой Шотландии - это great highland bagpipe, он же a' phìob mhòr , он же — большая шотландская горная волынка.
Когла она была создана в том виде как мы ее знаем сейчас не знает никто. Очевидно это где-то 17-й век. А ее предки были известны в Шотландии с 13-го века.
Большая шотландская горная волынка сделана из кожи (обычно козьей) и сшитой в виде бурдюка с прикрепленными к нему деревянными трубками:
- дронами, обычно 2-3, которые издают басовый + баритональный фоновый звук
- чантера, на которой собственно играется мелодия.
- блоу пайп, трубки через которую в кожаный мешок нагнетается воздух.
Трубки крепятся к мешку при помощи переходников или «стоков». Внутри же них самих помещаются так называемые трости/reeds, от которых зависит тембр звучания чантера + дронов.
Кроме этого волынка украшается кистями, наконечниками и чехлом, т.к. «ковром» для мешка в самом великом разнообразии дизайнов.
Изготовить хорошо звучащую волынку не так просто как кажется. Это зависит от опыта мастера и его умения передать инструменту часть себя, своей души. Звук качественно сделанной волынки не должен резать ухо, быть чистым, прозрачным, вместе с тем глубоким. А сами части из которых она изготовлена - надежны, хорошо подлажены и долговечны. Подобно тому как у мастеров итальянской скрипичной и виолончельной школы ( Гварнери, Стардивари и др.) были свои секреты благодаря которым их инструменты звучали несколько по иному, чем остальные - так и в Шотландии были мастера с вековыми традициями, которые передавали свои секреты из поколение в поколение, и их волынки звучали всегда несколько иначе чем многие другие. Стоимость волынки, сделанной, например, в таких известных мастерских как David Naill & Co или McCallum Blackwood может варьироваться от 600 -1500 фунтов/ 950- 2300 $. Однако есть мастера, которых вообще нет в каталогах и которые изготавливают штучные волынки для очень требовательных музыкантов - цена на такую волынку может быть в 1,5-2 раза выше приведенной. В принципе же вполне неплохо звучащую волынку можно купить в Британии за 400-500 фунтов.
Подобно тому как у автолюбителей, радиолюбителей, аудиофилов и других категорий людей имеющих хобби есть свои встречи — и виртуальные и реальные с общением по интересам — спорами, обсуждениями - так и у людей влюбленных в этот инструмент все это тоже присутствует. Например, дискуссии из какого материала лучше использовать трости. Или какие стоки самые лучшие. Или какое дерево, например, из Африки или Азии лучше дают звук для дрона или чантера. Или какой толщины и в какой последовательности кольца на трубках дают нужный акустический эффект. И так далее.
Слушать волынку даже на самой превосходной аппаратуре дело не то чтобы безнадежное, но как бы не совсем полноценное — ибо, по моему убеждению, запись ее игры не отразит сам звук в его полноте: его энергетику, глубину, тембральную окраску так, как если бы вы слушали это вживую. При записи именно волынки теряется частотно-амплитудная составляющая живого звука - он у ней иной нежели у других инструментов, его трудно адекватно передать на носителе. Так мне кажется. Если же говорить вообще об оркестре из волынщиков, это тем более трудно передаваемо. Энергетика которая идет от таких оркестров, состоящих из нескольких десятков волынщиков и барабанщиков, совершенно чудовищная. Гулкий низкий звук больших барабанов и очереди, чеканно выстреливаемые малыми барабанами как бы пронзающие воздух удивительным образом накладываются на трели волынок, сплетаются с ним, контрастируют, и создают удивительные вибрации. Ты чувствуешь что тебя наполняет энергия. Все выше описанное лишь мои ощущения, но, думаю, никакая другая музыка именно подобранная в таком сочетании инструментов + в такой частотной модуляции не может быть сравнима с шотландским оркестром волынщиков, если речь касается поднятия духа, прилива и моральных и физических сил.
Эдинбург, фестиваль искусств. Шествие оркестра волынщиков полка шотландских королевских драгун
Одни из самых лучших оркестров волынщиков, группа Spirit of Scotland. Весь ее состав — любители, люди совершенно разных профессий собирающихся чтобы играть на волынках и барабанах. Группа выступает на состязании оркестров волынщиков. Члены оркестра встают в круг в центре которого большой барабан — мягкий низкий звук, идущий от центра скозь кольцевой замкнутый контур из волынок и малых барабанов, как бы вдогонку как удаленный гром слушателю. Очень продуманно. Сзади стоит судья скрупулезно учитывающий как плюсы и так и минусы в исполнении. Критерий сыгранности и отличного исполнения — абсолютная синхронность волынщиков и барабанщиков, которые на каждый гармонический звуковой переход (шифт) и измение мелодической тональности ( рила) должны подобрать правильный ритм. Кроме этого учитывается бэк-полифония дронов и унисонность звучания чантеров.
Моя мечта научиться играть на волынке в настоящее время далекая и недостижимая, ибо думаю это вряд ли возможно в наших квартирах с их перегородками. А клубов волынщиков у нас очень мало. Дело в том, что шотландская горная волынка не может звучать тихо, это громкий лирический ( шучу) инструмент. Не говоря о том, это мужской инструмент, требующий хорошего объема легких. Как же можно его использовать в наших условиях? Например, так: утром когда ваша подруга или жена будет спать, следует тихо подойти к ее кровати, взять волынку и набрав полную грудь воздуха и, исполнить шотландский боевой гимн. У меня нет сомнений, что она это оценит и будет вам благодарна по гроб жизни вам именно за такой будильник.
Отправляемся в Глазго. Здесь есть одна удивительная группа кельтских язычников под названием Кланадония/Сlanadonia. Душа группы и ее мотор — Ту-Бард Уилсон (бородатый парень слева на снимке).
Все они — бывшие каскадеры исполнявшие трюки в фильмах. Попутно увлекались шотландской ритуальной музыкой. Наконец стали делать это профессионально, и вот пришел первый успех: несколько треков попали в фильм «Последний из могикан», затем в фильмы Мела Гибсона. Кланадония — непременный участник множества фестивалей кельтской музыки.
Другая шотландская группа, которая стала одним из моих фаворитов называется Оld Blind Dogs/Cтарые Слепые Псы . Название группы в честь одноименного кельтской мелодии.
Впервые я услышал группу в 90-х в одной из интернет-радиостанций игравших подобный репертуар. То была удивительно красивая старинная баллада Bogie's Bonny Bell. Об истории одной шотландской девушки. Я слышал ее и раньше, но Псы сделали это уж очень красиво. Послушайте сами. Вообще, шотландский английский в разговоре вовсе не испытание для коренного англичанина или иностранца. Если у тебя нет проблем с разговорным, нет и проблем и с общением. Незнакомые слова или местные диалекты никак этому не помешают.
A gaed in by Huntly Toun
Ae mornin for tae fee
A fell in wi Bogie o Cairnie
An wi him A did agree
For tae caa his twa best horses
Or cairt or harrow or plou
Or dae onything about fairm wark
A very weil cud do
Auld Bogie had a dochter
Wha's name wis Isabelle
She wis the lily o the valley
An the primrose o the dell
Whan she went out walkin
She'd tak me for her guide
Doun by the burn o Cairnie
Tae watch smaa fishes glide
Bit whan five lang months wis past an gane
This lassie lost her blume
The reid fell frae her rosie cheeks
An her eyes began tae swoon
An whan nine lang months wis past an gane
She brocht forth tae me a son
An A wis quickly caad for
Tae see whit cud be done
A said that A wad mairrie her
Bit, och, that wadnae dae
He said, "Ye're nae match for ma bonnie Belle
An she's nae match for ye"
Sae nou she's marriet tae a traiveller chiel
Wha bides in Huntly Toun
He sells pots an pans an paraffin lamps
An he tramps the kintra roun
An if she's gotten a better match
Auld Bogie cannae tell
Sae fare weil ye lauds o Huntlyside
An Bogie's bonnie Belle
С основания в начале 90-х состав группы мало изменился, его костяк это четверо:
Аарон Джонс (вокал, бузуки, бас гитара), Джонни Харди (скрипка, мандолина, гитара, вокал)
Фрэзер Стоун ( ударные) и Эли Хаттон ( волынка, флейта, гитара)
Еще одна композиция с альбома Gab O Mey, Lads O The Fair/ Парни на Ярмарке
Имя следующего исполнителя музыки может сказать очень много. Ибо имя его - Энди Макстюард, и он основатель и лидер шотландской группы Silly Wizard, гремевшей в Британии и Америке в 70-х как одна из самых ярких фолк-групп. Ее репертуар — старинные баллады + стилизованные под баллады песни с небольшим налетом психоделики.
Закончу свой рассказ о шотландской музыке, упомянув одну превосходную исполнительницу по имени Джулия Фаулис/Julie Fоwlis.
Впервые я увидел ее на видео на фестивале британского фолка в Скарборо. Чем она интересна. В первую очередь тем, что поет на шотландском ( шотландском диалекте гэльского), что в Британии большая редкость. Если в Ирландии на гэльском ( ирландском гэльском) говорят, и поют и даже снимают фильмы, есть телеканал - в Шотландии всего этого меньше не просто в разы, а в десяток раз. Джулия родилась в 1979-м году на одном из Гебридских островов в общине говорящей на гэльском. С детских лет она увлеклась народной музыкой. В 2004 она была удостоена звания открытия года на фестивале Scots Trad Music Awards. В 2006-м она выиграла приз BBC Radio 2 Folk Awards, а в 2008-м удостоилась звания фолк-исполнительницы года. Наконец, Джулия помимо вокала довольно неплохо играет на флейте и гитаре.
Заканчиваю музыкальное путешествие по Шотландии под песню еще одного шотландского исполнителя — Дуги Маклина/DougieMaclean и фотографии одного из самых талантливых шотландских фотографов-пейзажистов Яна Кэмерона.
Папки
-
Jeeves' Diary (322) -
Elliot Erwitt (149)
-
Fritz Kahn (16)
-
Maggie Taylor (40)
-
Giotto (14)
-
Castles (43)
-
Academia (5)
-
RadioBossa (23)
-
FF (101)
-
Favorite Dems (53)
-
Ward #6 (47)